Как называется японское искусство. Взрывая каваии: как понимать современное японское искусство

Подробности Категория: Изобразительное искусство и архитектура XIX века Опубликовано 14.08.2017 18:30 Просмотров: 1604

В первой половине XIX в. в японской живописи ещё господствовал стиль укиё-э. В 1868 г., после революции Мэйдзи и открытия границ, в Японии стали доступнее достижения западной цивилизации, и укиё-э постепенно выходит из моды, заменяясь фотографией.
Но обо всём по порядку.

Стиль укиё-э

Укиё-э (яп. картины (образы) изменчивого мира) – направление в изобразительном искусстве Японии. Первоначально этот буддистский термин употреблялся в значении «бренный мир, юдоль печали». Но в эпоху Эдо, с появлением специально отведённых городских кварталов, в которых процветал театр Кабуки и находились дома гейш и куртизанок, термин был переосмыслен, и его стали понимать как «мир мимолётных наслаждений, мир любви».
Гравюры в стиле укиё-э – основной вид ксилографии в Японии. Эта форма искусства стала популярной в городской культуре во второй половине XVII в. Основоположник укиё-э – японский живописец и график Хисикава Моронобу .

Х. Моронобу «Осень в Асакуса. Цветущая вишня в парке Уэно». Роспись ширмы. Галерея Фрир (Вашингтон)
Изначально гравюры были чёрно-белыми, выполненными тушью. С начала XVIII в. некоторые работы раскрашивались вручную с помощью кисти.
Гравюры укиё-э предназначались в основном для городских жителей, которые не могли себе позволить более дорогие живописные картины.
Темы укиё- э – картины обыденной жизни: прекрасные гейши, борцы сумо, популярные актёры театра кабуки, а позднее – пейзажная гравюра.

Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве» (1823-1831)
В период XVIII-XIX вв. известными художниками были Утамаро, Хокусай, Хиросигэ и Тосюсай Сяраку.
В то время, когда в Японии стиль укиё-э стал выходить из моды, он приобрёл популярность в Западной Европе и Америке, гравюры начинают массово скупать искусствоведы.
Японские гравюры вдохновили многих европейских художников, работавших в стиле кубизма , импрессионизма , постимпрессионизма : Винсента ван Гога, Клода Моне и др. Это влияние назвали «японизмом».

Винсент ван Гог «Портрет папаши Танги» (1887-1888). Холст, масло. Музей Родена (Париж)

Известные художники стиля укиё-э:

Хисикава Моронобу (XVII в.)
Китагава Утамаро (XVIII в.)
Каванабэ Кёсай (XIX в.)
Кацусика Хокусай (XVIII-XIX вв.)
Утагава Хиросигэ (XIX в.)
Утагава Кунисада (XIX в.)
Утагава Куниёси (XIX в.)
Кэйсай Эйсэн (XIX в.)
Судзуки Харунобу (XIXв.)
Тоёхара Кунитика (XIXв.)
Цукиока Ёситоси (XIXв.)
Огата Гэкко (XIX-XX вв.)
Хасуи Кавасэ (XX в.)

Рассмотрим творчество некоторых из них.

Кацусика Хокусаи (1760-1849)

Кацусика Хокусай. Автопортрет
Известный японский художник укиё-э, иллюстратор, гравёр. Работал под множеством псевдонимов (не менее 30). Родился в семье ремесленника, начал рисовать в возрасте 6 лет. Работая в книжной лавке, обучился грамоте. Затем работал в мастерской гравёра – гравюра в то время была очень популярна в Японии.
В 1793-1794 гг. начинается самостоятельная жизнь художника, довольно тяжёлая в материальном плане, но насыщенная искусством – он изучает разные школы живописи: школы Кано (пейзажи, изображения птиц и животных, бытовые сценки; они украшали рисунком двери раздвижных ширм); школа Сотацу (изображение повседневной жизни японцев и японские пейзажи на раздвижных дверях). Художник постепенно начинает вырабатывать свой собственный стиль.
В 1796 г. художник стал использовать ставший впоследствии широко известным псевдоним Хокусай. В 1800 г., в возрасте 41 года, художник стал называть себя Гакэдзин Хокусай («Безумный живописью Хокусай»).
Картину мира художник осмысляет через сознание значительности, особой ценности каждодневной жизни людей, их труда и забот. Жизнь природы, ее смысл и красота в пейзажах Хокусай становятся понятными лишь благодаря присутствию в них людей, занятых своими обычными делами. Бо́льшую часть своей жизни Хокусай провел в путешествиях по стране, зарисовывая все, что им было увидено. Хокусай был известен не только как гравер, но и как писатель, поэт и живописец.
Он был первым из художников японской гравюры, в творчестве которого пейзаж получил значение самостоятельного жанра. В пейзажах Хокусай был запечатлен живой и величественный облик природы Японии.
За свою долгую художественную деятельность он создал около 30 тысяч рисунков и гравюр и проиллюстрировал около 500 книг.
Расцвет творчества Хокусай относится к 1820-началу 1830-х гг. В это время им были созданы лучшие его пейзажные серии. Эти серии поражают глубиной и богатством художественного видения Хокусаи – от широкого философского осмысления картины мира в серии «36 видов горы Фудзи» (1823-1829), показа эпического величия природы в серии «Мосты» (1823-1829), любования ее стихийной мощью в «Водопадах» (1827-1830) до тонкого лирического переживания природы в серии «Поэты Китая и Японии» (1830).

Кацусика Хокусай «Южный ветер. Ясный день». Цветная гравюра на дереве (1823-1831) из серии «Тридцать шесть видов Фудзи»
Одной из самых значительных работ Хокусая, в которой наиболее полно раскрылось своеобразие его творчества как художника-мыслителя, является серия «36 видов Фудзи». Большее число листов этой серии представляют различные жанровые сцены: рыбака, закинувшего сети; работающих на дровяном складе пильщиков; бочара, мастерящего бадью, и т. п.. Все эти сцены развернуты в пейзаже с горой Фудзи на заднем плане.
Творчество Хокусаи вызвало многочисленные подражания, число его учеников было очень велико. Но почти для всех последователей художника характерно усвоение лишь внешней стороны его творческого метода.

Суримоно

Суримоно – вид традиционного японского искусства, цветная ксилография, которая служила подарком в среде японской городской интеллигенции. Поводом для такого подарка могли быть юбилеи, рождение сына, наступление поры цветения вишен, наступающий Новый год и т.д. Жанры суримоно были разнообразны: изображение фигур, изображение животных, цветов и птиц, пейзаж.
Создаваемый изобразительными, стихотворными и техническими средствами образ должен был обладать цельностью. Суримоно – это и искусство, и игра, и способ развлечений, часть быта горожан.

Кацусика Хокусай «Карпы» (суримоно)
Заслуга Хокусая во взлёте популярности суримоно велика: он делает его важнейшим из видов японской ксилографии.
Люди на суримоно Хокусая – «живые». Изображённые на фоне пейзажа, они активно с ним взаимодействуют: прикрывают рукой глаза от солнца, указывают на облака, вглядываются в бескрайние просторы, иногда даже повернувшись спиной к зрителю.

Кацусика Хокусай. Суримоно

Манга

«Манга» (яп. буквально «рисунки Хокусая») – одна из главнейших работ в творческом наследии художника, созданная им в зените славы. «Манга» является выражением взглядов Хокусая на творчество, его философии, раскрывает секреты мастера; она ценна не только как веха в жизни Хокусая, но и как важный источник информации о культуре и искусстве Японии эпохи позднего феодализма. «Мангу» Хокусая нередко называют «энциклопедией японского народа». Большинство рисунков изображали сценки из городской жизни, содержалось множество зарисовок людей. Сборник представлял собой дневник, куда мастер заносил всё виденное им в жизни в форме рисунков (не текстом).

Кацусика Хокусай «Созерцание горы Фудзи» (1814) Манга
Хокусай, как и японское искусство в целом, оказал существенное влияние на европейское искусство XIX в., в том числе на французский импрессионизм. Тематика гравюр Хокусая присутствует в работах Клода Моне , Пьера Огюста Ренуара и др.
Последним значительным представителем японской гравюры первой половины XIX в. был пейзажист Андо Хиросиге.

Андо Хиросиге (1797-1858)

Утагава Хиросигэ – японский художник-график, представитель направления укиё-э, мастер цветной ксилографии. Автор не менее чем 5400 гравюр. В лирических пейзажах с жанровыми мотивами передавал зыбкие состояния природы, атмосферные эффекты снега и тумана. Работал под псевдонимом Андо Хиросигэ.
Рано потерял отца и мать. Изобразительным искусством начал заниматься после того, как увидел работы Хокусая.
Хиросиге был учеником гравера Утагава Тоёхиро (1763-1828). Первой работой, принесшей Хиросиге известность, была серия гравюр «53 станции Токайдо», напечатанная в 1834 г. Продолжая пейзажный жанр Хокусая, Хиросиге разрабатывает его по-своему.
Токайдо была одной из пяти дорог, соединявших Эдо с другими частями Японии. Она пролегала вдоль восточного берега Хонсю. Вдоль неё были расположены 53 почтовые станции, где путникам предлагался ночлег, еда и конюшни.
В 1832 г. Хиросиге проехал по Токайдо в составе официальной делегации, перевозившей лошадей для императорского двора. Пейзажи произвели сильное впечатление на художника, и он сделал множество эскизов. По возвращении домой он создал цикл из 53 работ. Успех этой серии сделал Хиросигэ одним из самых значительных и признанных мастеров гравюры.

А. Хиросиге. 1-я станция: Синогава

А. Хиросиге. 30-я станция: Маисака

А. Хиросиге. 32-я станция: Сирасука
В естественной красоте природы Хиросиге привлекает выразительность.
Творчество Хиросиге завершает период блестящего расцвета японской цветной ксилографии XVIII и первой половины XIX в.в. Гравюра 1850-1860 гг. не выдвинула ни одного крупного художника, в ней все явственней выступают стилизаторство и эклектика.
В 1868 г. в Японии произошла буржуазная революция, а в 1880-х годах она стала монархией. Эти события положили начало новому этапу в истории японского искусства, т.к. Япония вошла в мировую систему капиталистических стран. В искусстве Японии этого периода возникают многочисленные школы и группировки. Некоторые из них стали на путь освоения европейского искусства, другие японские художники (например, Курода Кийотэри (1866-1924), уехали учиться в Европу. Но были и те, кто стремился сохранить чистоту национальных традиций.
Конец XIX-начало XX в. в искусстве Японии был временем пересмотра старой художественной традиции, освоением европейского искусства, поисками нового, а также собственного пути развития.

Прикладное искусство Японии

Расцвет японского прикладного искусства начался в конце XVI в. В XIX в. большое распространение получили резьба по дереву, по кости, керамика, фарфор.
Следует сказать и о нэцкэ – миниатюрной скульптуре, произведении японского декоративно-прикладного искусства. Нэцкэ представляет собой небольшой резной брелок, который использовался на традиционной японской одежде кимоно и косодэ.

Нэцкэ, изображающее Хотэя (бог общения, веселья и благополучия). Слоновая кость, современная работа
Первые нэцкэ появились в Японии во второй половине XVI-начале XVII в. С конца XIX в. и весь XX в. нэцкэ выполнялись на экспорт. Изготавливаются они и в наше время. Это сувенирная продукция, выпускаемая конвейерным способом, не очень высокого качества. Но искусство нэцкэ не исчезло. И в наши дни существуют мастера, специальность которых – резьба нэцкэ.

Нэцкэ с секретом

Формирование чайной церемонии (тяною) как одного из величайших явлений японской культуры происходило в очень тяжелое, смутное для страны время, когда междоусобные кровавые войны и распри феодальных кланов делали жизнь людей невыносимой. Чайная церемония возникла под влиянием эстетики и философии дзен-буддизма и стремилась противопоставить настроению безысходности поклонение Красоте.

В те времена властители из военного сословия и богатые торговцы, собираясь для политических и торговых дискуссий, часто пользовалисьслучаем для того, чтобы подать чай. Считалось утонченным удовольствием сидеть на досуге в тихой чайной комнате, отстранившись от жизненных забот и волнений, и внимать звукам воды, кипящей на жаровне. Великий учитель Сэн-но-Рикю возвел чаепитие в искусство. Он смог развить искусство чайной церемонии в том виде, в котором он это сделал, отчасти из-за существовавшего вышеупомянутого социального фона.

Чайная комната, сооруженная Сэн-но-Рикю, на первый взгляд казалась очень простой и даже слишком маленькой. Но планировалась она самым тщательным образом, с тонкой разборчивостью, вплоть до самой мельчайшей детали. Она была оформлена скользящими дверями, покрытыми белоснежной полупрозрачной японской бумагой. Потолок был отделан бамбуком или тростником, а открытая фактура стен высоко ценилась. Опоры в большей своей части были деревянными, сохраняющими свою естественную кору. С целью создать эффект жилища отшельника при оформлении чайной комнаты все бесполезное убранство и чрезмерные украшения были отброшены.

Сегодня чайная церемония - это наиболее самобытное, уникальное искусство. Она играет важную роль в духовной и общественной жизни японцев уже на протяжении нескольких веков. Со временем ритуал проведения чайной церемонии канонизировался, заданными стали последовательность действий и поведения. Уже войдя в простые деревянные ворота, гости погружались в особый мир, оставляя за спиной все мирское и в молчаливой сосредоточенности подчиняясь лишь законам действа.

Классическая тяною - это строго расписанный ритуал, в котором участвует мастер чая (человек, который заваривает и разливает чай) и остальные участники церемонии. По существу мастер чая - это жрец, совершающий чайное действо, остальные - приобщающиеся к нему. У каждого свой определенный стиль поведения, включающий как позу при сидении, так и каждое движение, вплоть до выражения лица и манеры речи.

Во время чаепития произносятся мудрые речи, читаются стихи, рассматриваются произведения искусства. Для каждого случая с особой тщательностью подбираются букеты цветов и специальная посуда для заварки напитка.

Соответствующее настроение создает и сама обстановка, которая на удивление проста и скромна: медный чайник, чашки, бамбуковая мешалка, ящичек для хранения чая и т. п. Японцы не любят ярких блестящих предметов, им импонирует матовость. Д. Танидзаки пишет по этому поводу: «Европейцы употребляют столовую утварь из серебра, стали либо никеля, начищают ее до ослепительного блеска, мы же такого блеска не выносим. Мы тоже употребляем изделия из серебра... но никогда не начищаем их до блеска. Наоборот, мы радуемся, когда этот блеск сходит с поверхности предметов, когда они приобретают налет давности, когда они темнеют от времени... Мы любим вещи, носящие на себе следы человеческой плоти, масляной копоти, выветривания и дождевых отеков». Все предметы для чайной церемонии несут на себе отпечаток времени, но все безукоризненно чисты. Полумрак, тишина, самый простой чайник, деревянная ложка для насыпания чая, грубая керамическая чашка - все это завораживает присутствующих.

Самым важным элементом в интерьере чайного домика считается ниша - токонома. В ней обычно помещен свиток с живописью или с каллиграфической надписью и ставится букет цветов, курильница с благовониями. Токонома располагается напротив входа и сразу же привлекает внимание гостей. Свиток для токонамы подбирается с особой тщательностью и является непременным предметом обсуждения во время церемонии. Он написан в дзенбуддийском стиле и такой архаичной каллиграфией, что немногие могут разобрать и понять смысл написанного, например: «Бамбук зеленый, а цветы красные», «Вещи есть вещи, и это прекрасно!» или «Вода есть вода». Присутствующим разъясняется смысл этих изречений, внешне простой, но в то же время очень глубокий в философском отношении. Иногда эти мысли выражены в поэтической форме хайку, иногда отражены в картине старого мастера, как правило, с соблюдением принципа «ваби».

В Японии уществует множество форм чайной церемонии, но строго установлено лишь несколько: ночной чай, чай с восходом солнца, утренний чай, послеобеденный чай, вечерний чай, специальный чай.

Ночной чай начинается при луне. Гости приходят примерно в половине двенадцатого и уходят около четырех часов ночи. Обычно заваривают порошкообразный чай, который готовят на глазах у гостей: листья освобождают от прожилок и измельчают в порошок в ступе. Такой чай бывает очень крепким, его не подают на пустой желудок. Поэтому сначала гостей немного угощают различной едой. Чай с восходом солнца пьют около трех или четырех часов утра. Гости остаются при этом до шести часов. Утренний чай практикуется в жаркую погоду, гости собираются к шести часам утра. Послеобеденный чай обычно подается только с пирожными примерно после часа дня. Вечерний чай начинается около шести часов вечера. Специальное чаепитие (риндзитя-ною) устраивают по каким-либо торжественным случаям: встреча с друзьями, праздники, смена времени года и т. п.

По мнению японцев, чайная церемония воспитывает простоту, естественность, опрятность. Это, конечно, так, но в чайной церемонии заключено и нечто большее. Приобщая людей к точно установленному ритуалу, она приучает их к строгому порядку и безусловному исполнению социальных правил. Чайная церемония является одной из важнейших основ культивирования национальных чувств.

Имеет очень богатую историю; её традиция обширна, при этом уникальное положение Японии в мире в значительной степени повлияло на доминирующие стили и техники японских художников. Известный факт, что Япония была весьма изолирована в течение многих столетий, обусловлен не только географией, но также и доминирующей японской культурной склонностью к изоляции, которая обозначила историю страны. В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от тех, что были в остальном мире. И это даже заметно в практике японской живописи. Например, картины Нихонга являются одними из основных произведений практики японской живописи. Она основана на более чем тысячелетней традиции, а картины обычно создаются кистями на ваши (японская бумага) или егину (шёлк).

Тем не менее, японское искусство и живопись находились под влиянием иностранных художественных практик. Сначала, это было китайское искусство в XVI веке и китайская живопись и китайская традиция искусства, которая была особенно влиятельной в нескольких аспектах. По состоянию на XVII век японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, который длился с 1868 по 1945 год, на японскую живопись повлиял импрессионизм и европейский романтизм. В то же время на новые европейские художественные движения также значительно влияли японские художественные техники. В истории искусства это влияние называют «японизмом», и оно особенно существенно для импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модернизмом.

Длинная история японской живописи может рассматриваться как синтез нескольких традиций, которые создают части признанной японской эстетики. Прежде всего, буддистское искусство и методы живописи, так же как и религиозная живопись, оставили существенный след на эстетике японских картин; водно-тушевая живопись пейзажей в традиции китайской литературной живописи - другой важный элемент, признанный во многих знаменитых японских картинах; живопись животных и растений, особенно птиц и цветов - это то, что обычно связано с японскими композициями, как и пейзажи и сцены из повседневной жизни. Наконец, большое влияние на японскую живопись имели древние представления о красоте из философии и культуры Древней Японии. Ваби, что означает кратковременную и суровую красоту, саби (красота натуральной патины и старения) и югэн (глубокая грация и тонкость) по-прежнему влияют на идеалы в практике японской живописи.

Наконец, если мы концентрируем внимание на выборе десять самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э, который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре. Он доминировал в японском искусстве с XVII - XIX век, при этом художники, принадлежащие к этому жанру создавали ксилографии и картины с такими предметами как красивые девушки, актёры Кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествии и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.

Всегда сложно составлять список лучших картин из художественных традиций. Многие удивительные произведения будут исключены; однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире. В этой статье будут представлены только картины, созданные с XIX века по сегодняшний день.

Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японские художники разработали большое количество уникальных техник и стилей, которые являются самым ценным вкладом Японии в мир искусства. Одна из этих техник - суми-э. Суми-э буквально означает «чернильный рисунок», сочетающий в себе каллиграфию и рисование чернилами для создания редкой красоты композиций, нарисованных кистями. Эта красота парадоксальна - древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но подчиненная, несомненно, отражающая духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники завезли твёрдочернильный брикет и бамбуковую кисть в Японию из Китая в шестом веке, а за последние 14 столетий Япония разработала богатое наследие тушевой живописи.

Scroll down and see 10 Japanese Painting Masterpieces

1. Кацусика Хокусай «Сон жены рыбака»

Одна из самых узнаваемых японских картин - «Сон жены рыбака». Она была написана в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, эту удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как живопись, так как оно является ксилографией жанра укиё-э из книги «Молодые сосны» (Kinoe no Komatsu), которая представляет собой трёхтомную книгу сюнга. В композиции изображена молодая ныряльщица ама, обвитая сексуально парой осьминогов. Этот образ был весьма влиятельным в XIX и XX веках. Работа повлияла на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луис Окок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо .

2. Тессай Томиока «Абэ-но Накамаро пишет ностальгическую поэму, наблюдая за луной»

Тессай Томиока - псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником в традиции бунцзинга и одним из первых крупных художников стиля Нихонга. Бунцзинга была школой японской живописи, которая процветала в эпоху позднего Эдо среди художников, которые считали себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих художников, включая Тессайя, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.

3. Фудзисима Такэдзи «Восход солнца над Восточным морем»

Фудзисима Такэдзи был японским художником, известным за труд по развитию романтизма и импрессионизма в художественном движении йога (западный стиль) в конце XIX - начале XX века. В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности, импрессионизм, что можно увидеть в его картине «Восход солнца над Восточным морем», который была написана в 1932 году.

4. Китагава Утамаро «Десять типов женских лиц, коллекция властвующих красавиц»

Китагава Утамаро был выдающимся японским художником, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен серией под названием «Десять типов женских лиц. Коллекция властвующих красавиц, темы большой любви классической поэзии» (иногда называемая «Женщины в любви», содержащая отдельные гравюры «Обнажённая любовь» и «Задумчивая любовь»). Он является одним из наиболее значительных художников, принадлежащих к жанру ксилографии укиё-э.

5. Каванабэ Кёсай «Тигр»

Каванабэ Кёсай был одним из самых известных японских художников периода Эдо. Его искусство находилось под влиянием творчества Тохаку, художник школы Кано XVI века, который был единственным художником своего времени, рисовавший ширмы полностью тушью на нежном фоне из порошкового золота. Хотя Кёсай известен как карикатурист, он написал некоторые из самых известных картин в японской истории искусства XIX века. «Тигр» - одна из тех картин, для создания которой Кёсай использовал акварель и чернила.

6. Хироси Ёсида «Фудзи со стороны озера Кавагути»

Хироси Ёсида известен как один из самых крупных фигур стиля син-ханга (син-ханга - это художественное движение в Японии в начале XX века, в периоды Тайсё и Сёва, которое возродило традиционное искусство укиё-э, пустившее свои корни в период Эдо и Мэйдзи (XVII - XIX вв)). Он обучался традиции западной живописи маслом, которая была заимствована в Японии в период Мэйдзи.

7. Такаси Мураками «727»

Такаши Мураками, вероятно, самый популярный японский художник современности. Его работы продаются за астрономические цены на крупных аукционах, а творчество уже вдохновляет новые поколения художников не только в Японии, но и за её пределами. Искусство Мураками включает в себя целый ряд сред и обычно описывается как суперплоскость. Его творчество известно использованием цвета, включением мотивов из японской традиционной и популярной культуры. Содержание его картин часто описывается как «милое», «психоделическое» или «сатирическое».

8. Яёи Кусама «Тыква»

Яой Кусама также является одной из самых известных японских художниц. Она творит в различных техниках, включая живопись, коллаж, скэт-скульптуру, перфоманс, энвайронментальное искусство и инсталляцию, большинство из которых демонстрируют её тематический интерес к психоделическим цветам, повторению и узору. Одной из самых известных серий этой великой художницы является серия «Тыква». Покрытая узором горошек обычная тыква ярко-жёлтого цвета представлена ​​на фоне сети. В совокупности все такие элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художницы, и был развит и усовершенствован на протяжении десятилетий кропотливого изготовления и воспроизведения.

9. Тэммёя Хисаси «Японский дух №14»

Тэммёя Хисаси - современный японский художник, который известен своими картинами в стиле нео-нихонга. Он участвовал в возрождении старой традиции японской живописи, которая представляет собой полную противоположность современной японской живописи. В 2000 году он также создал свой новый стиль butouha, который демонстрирует стойкое отношение к авторитетной художественной системе через его картины. «Японский дух № 14» был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретированной в японской культуре как мятежное поведение низшей аристократии во время периода Воюющих царств, чтобы лишить власти возможности добиваться идеального образа жизни, одеваясь в пышные и роскошные одежды и действуя по свободной воле, не соответствовавшее их социальному классу.

10. Кацусика Хокусай «Большая волна в Канагаве»

Наконец, «Большая волна в Канагаве», вероятно, самая узнаваемая японская картина, когда-либо написанная. Это на самом деле самое известное произведение искусства, созданное в Японии. На ней изображены огромные волны, угрожающие лодкам у берегов префектуры Канагава. Несмотря на то, что иногда принимаемая за цунами, волна, как предполагает название картины, скорее всего, просто имеет аномально большую высоту. Картина выполнена в традиции укиё-э.

От: ,  18346 просмотров

- Присоединяйтесь! Ваше имя:

Комментарий:

Огромный регион, условно именуемый Дальним Востоком, включает в себя Китай, Японию, Корею, Монголию и Тибет -- страны, имеющие ряд сходных черт, но одновременно и значительные различия в культуре.

Все страны Дальнего Востока испытывали воздействие древних цивилизаций Китая и Индии, где ещё в 1мтысячелетии до нашей эры возникли философско-религиозные учения, положившие начало представлению о природе как всеобъемлющем Космосе -- живом и одухотворённом организме, который живёт по своим собственным законам. Природа оказалась в центре философских и художественных исканий всего средневекового периода, а её закономерности считались универсальными, определявшими жизнь и взаимоотношения людей. С многообразными проявлениями природы сопоставлялся внутренний мир человека. Это повлияло на развитие символического метода в изобразительном искусстве, определив его иносказательный поэтический язык. В Китае, Японии и Корее под влиянием подобного отношения к природе формировались виды и жанры искусства, строились архитектурные ансамбли, тесно связанные с окружающим ландшафтом, зарождалось садово-парковое искусство и, наконец, происходил рассвет пейзажной живописи. Под влиянием древнеиндийской цивилизации стал распространяться буддизм, а в Монголии и Тибете -- также индуизм. Эти религиозные системы принесли в страны Дальнего Востока не только новые для них идеи, но и оказали непосредственное влияние на развитие искусства. Благодаря буддизму во всех странах региона появился неизвестный прежде новый художественный язык скульптуры и живописи, были созданы ансамбли, характерной особенностью которых стало взаимодействие архитектуры и изобразительного искусства.

Особенности изображения буддийских божеств в скульптуре и живописи складывались на протяжении многих веков как особый язык символов, выражавший представления о мироздании, нравственных законах и предназначении человека. Таким образом закреплялись и сохранялись культурный опыт и духовные традиции многих народов. В образах буддийского искусства воплощались идеи противоборства добра и зла, милосердия, любви и надежды. Все эти качества определили своеобразие и общечеловеческую значимость выдающихся творений дальневосточной художественной культуры.

Япония расположена на островах Тихого океана, протянувшихся вдоль восточного побережья Азиатского материка с севера на юг. Японские острова находятся в зоне, подверженной частым землетрясениям и тайфунам. Жители островов привыкли постоянно быть настороже, довольствоваться скромным бытом, быстро восстанавливать жилище и хозяйство после стихийных бедствий. Несмотря на природные стихии, постоянно угрожающие благополучию людей, японская культура отражает стремление к гармонии с окружающим миром, умение видеть красоту природы в большом и малом.

В японской мифологии родоначальниками всего в мире считались божественные супруги, Идзанаги и Идзанами. От них произошла триада великих богов: Аматэрасу -- богиня Солнца, Цукиёми -- богиня Луны и Сусаноо -- бог бури и ветра. По представлениям древних японцев, божества не имели зримого облика, а воплощались в саму природу -- не только в Солнце и Луны, но и в горы и скалы, реки и водопады, деревья и травы, которые почитались как духи-ками (словоками в переводе с японского означает божественный ветер). Такое обожествление природы сохранялось на протяжении всего периода Средневековья и получило названиесинто -- путь богов, став японской национальной религией; европейцы называют её синтоизмом. Истоки японской культуры уходят корнями в глубокую древность. Самые ранние произведения искусства относятся к 4...2-му тысячелетиям до нашей эры. Наиболее длительным и самым плодотворным для японского искусства был период Средневековья (6...19й века).

Конструкция традиционного японского дома сложилась к 17...18-м векам. Он представляет собой деревянный каркас с тремя подвижными стенами и одной неподвижной. Стенами не несут функций опоры, поэтому они могут раздвигаться или даже сниматься, служить одновременно и окном. В тёплый сезон стены представляли собой решётчатую конструкцию, оклеенную полупрозрачной бумагой, пропускавшей свет, а в холодное и дождливое время их прикрывали или заменяли деревянными панелями. При большой влажности японского климата дом необходимо проветривать снизу. Поэтому он приподнят над уровнем земли на 60 см. Чтобы предохранить опорные столбы от гниения, их устанавливали на каменные основания.

Лёгкий деревянный каркас обладал необходимой гибкостью, что уменьшало разрушительную силу толчка при частых в стране землетрясениях. Кровля, черепичная или тростниковая, имела большие навесы, которые предохраняли бумажные стены дома от дождя и палящего летнего солнца, но не задерживали низких солнечных лучей зимой, ранней весной и поздней осенью. Под навесом кровли располагалась веранда.

Пол жилых комнат покрывали циновками -- татами, на которых главным образом сидели, а не стояли. Поэтому и все пропорции дома были ориентированы на сидящего человека. Поскольку в доме не было постоянной мебели, спали на полу, на специальных толстых матрацах, которые убирали днём в стенные шкафы. Ели, сидя на циновках, за низкими столиками, они же служили для различным занятий. Раздвижные внутренние перегородки, обтянутые бумагой или шёлком, могли делить внутренние помещения в зависимости от потребностей, что позволяло использовать его более разнообразно, однако полностью уединится внутри дома каждому его обитателю было невозможно, что повлияло на внутрисемейные отношения в японской семье, а в более общем смысле -- на особенности национального характера японцев. Важная деталь дома -- располагавшаяся у неподвижной стены ниша -- токонама, где могла висеть картина или стоять композиция из цветов -- икэбана. Это был духовный центр дома. В украшении ниши проявлялись индивидуальные качества обитателей дома, их вкусы и художественные наклонности.

Продолжением традиционного японского дома был сад. Он исполнял роль ограждения и одновременно связывал дом с окружающей средой. Когда раздвигали наружные стены дома, исчезала граница между внутренним пространством дома и садом и создавалось ощущение близости к природе, непосредственного общения с ней. Это было важной особенностью национального мироощущения. Однако японский города росли, размеры сада уменьшались, нередко его заменяла небольшая символическая композиция из цветов и растений, которая выполняла ту же роль соприкосновения жилища с миром природы. японский мифология дом икэбана нэцкэ

Искусство расстановки цветов в вазах -- икэббна (жизнь цветов) -- восходит к древнему обычаю возложения цветов на алтарь божества, который распространился в Японии вместе с буддизмом в 6м веке. Чаще всего композиция в стиле того времени -- рикка (поставленные цветы) -- состояла из ветки сосны или кипариса и лотосов, роз, нарциссов, установленных в старинных бронзовых сосудах.

С развитием светской культуры в 10...12мвеках композиции из цветов устанавливали во дворцах и жилых покоях представителей аристократического сословия. При императорском дворе стали популярны особые состязания по составлению букетов. Во второй половине 15говека появилось новое направление в искусстве икэбаны, основателем которого был мастер Икэнобо Сэнъэй. Произведения школы Икэнобо отличались особой красотой и изысканностью, их устанавливали у домашних алтарей, преподносили в качестве подарков. В 16м столетии с распространением чайных церемоний сформировался специальный вид икэбаны для украшения ниши-токономав чайном павильоне. Требование простоты, гармонии, сдержанной цветовой гаммы, предъявлявшейся ко всем предметам чайного культа, распространялись и на оформление цветов-- тябана (икэбана для чайной церемонии). Знаменитый мастер чая Сэнно Рикю создал новый, более свободный стиль -- нагэирэ (небрежно поставленные цветы), хотя именно в кажущейся беспорядочности заключалась особая сложность и красота образов этого стиля. Одним из видов нагэирэ была так называемая цурибана, когда растения помещались в подвешенном сосуде в форме лодочки. Такие композиции подносили человеку, вступавшему в должность или оканчивающему учёбу, так как они символизировали “выход в открытое житейское море”. В 17...19мвеках искусство икэбаны получило широкое распространение, возник обычай обязательного обучения девушек искусству составления букетов. Однако из-за популярности икэбаны композиции упростились, пришлось отказаться от строгих правил стилярикка в пользу нагэирэ, из которого выделился ещё один новый стиль сэйка или сёка (живые цветы). В конце 19го века мастер Охара Усин создал стиль морибана, основное новшество которого заключалось в том, что цветы размещались в широких сосудах.

В композиции икэбаны присутствует, как правило, три обязательных элемента, обозначающие три начала: Небо, Землю и Человека. Они могут воплощаться цветком, веткой и травой. Их соотношение друг с другом и дополнительными элементами создаёт разные по стилю и содержанию произведения. Задача художника состоит не только в том, чтобы создать красивую композицию, но и наиболее полно передать в ней собственные раздумья о жизни человека и его месте в мире. Произведения выдающихся мастеров икэбаны могут выражать надежду и грусть, душевную гармонию и печаль.

По традиции в икэбане, обязательно воспроизводится время года, а сочетание растений образует общеизвестные в Японии символические благопожелания: сосна и роза -- долголетие; пион и бамбук -- процветание и мир; хризантема и орхидея -- радость; магнолия -- духовная чистота итп.

Миниатюрная скульптура -- нэцкэ получила широкое распространение в 18...19 веках как один из видов декоративно-прикладного искусства. Появление её связано с тем, что национальный японский костюм -- кимоно -- не имеет карманов и все необходимые мелкие предметы (трубка, кисет, коробочка для лекарствитп) прикрепляются к поясу с помощью брелока-противовеса. Нэцкэ поэтому обязательно имеет отверстие для шнурка, с помощью которого к нему прикрепляется нужный предмет. Брелоки в виде палочки и пуговицы употреблялись и раньше, но с конца 18говека над созданием нэцкэ уже работали известные мастера, ставившие свою подпись на произведениях.

Нэцкэ -- искусство городского сословия, массовое и демократичное. По сюжетам нэцкэ можно судить о духовных запросах, повседневных интересах, нравах и обычаях горожан. Они верили в духов и демонов, которых часто изображали в миниатюрной скульптуре. Они любили фигурки “семи богов счастья”, среди которых наиболее популярны были бог богатства Дайкоку и бог счастья Фукуроку. Постоянными сюжетами нэцкэ были следующие: растрескавшийся баклажан со множеством семян внутри -- пожелание большого мужского потомства, две уточки -- символ семейного счастья. Огромное число нэцкэ посвящено бытовым темам и повседневной жизни города. Это бродячие актёры и фокусники, уличные торговцы, женщины за разными занятиями, странствующие монахи, борцы, даже голландцы в их экзотической, с точки зрения японцев, одежде -- широкополых шляпах, камзолах и брюках. Отличаясь тематическим разнообразием, нэцкэ сохраняли свою изначальную функцию брелока, и это предназначение диктовало мастерам компактную форму без хрупких выступающих деталей, округлённую, приятную на ощупь. С этим связан и выбор материала: не очень тяжёлого, прочного, состоящего из одного куска. Самыми распространёнными материалами были разные породы дерева, слоновая кость, керамика, лак и металл.

Японская живопись очень разнообразна не только по содержанию, но и по формам: это настенные росписи, картины-ширмы, вертикальные и горизонтальные свитки, исполнявшиеся на шёлке и бумаге, альбомные листы и веера.

О древней живописи можно судить лишь по упоминаниям в письменных документах. Самые ранние из сохранившихся выдающихся произведений относятся к периоду Хэйан (794...1185 годы). Это иллюстрации знаменитой “Повести о принце Гэндзи” писательницы Мурасаки Сикибу. Иллюстрации были выполнены на нескольких горизонтальных свитках и дополнены текстом. Их приписывают кисти художника Фудзивара Такаёси (первая половина 12 века).

Характерной особенностью культуры той эпохи, созданной довольно узким кругом аристократического сословия, был культ красоты, стремление найти во всех проявлениях материальной и духовной жизни свойственное им очарование, под час неуловимое и ускользающие. Живопись того времени, получившая в последствии название ямато-э (в буквальном переводеяпонская живопись), передавала не действие, а состояние души. Когда пришли к власти суровые и мужественные представители военного сословия, наступил закат культуры Хэйанской эпохи. В живописи на свитках утвердилось повествовательное начало: это полные драматических эпизодов легенды о чудесах, жизнеописания проповедников буддийской веры, сцены сражений воинов. В 14...15 веках под воздействием учения секты Дзэн с его особым вниманием к природе начала развиваться пейзажная живопись (первоначально под влиянием китайских образцов).

В течение полутора веков японские художники осваивали китайскую художественную систему, сделав одноцветную пейзажную живопись достоянием национального искусства. Её наивысший расцвет связан с именем выдающегося мастера Тоё Ода (1420...1506), больше известного под псевдонимом Сэссю. В своих пейзажах он, пользуясь одними лишь тончайшими оттенками чёрной туши, сумел отразить всю многоцветность мира природы и её бесчисленных состояний: насыщенную влагой атмосферу ранней весны, невидимый, но ощущаемый ветер и холодный осенний дождь, неподвижную застылость зимы.

16 столетие открывает эпоху так называемого позднего Средневековья, продолжавшегося три с половиной столетия. В это время получили распространение настенные росписи, украшавшие дворцы правителей страны и крупных феодалов. Одним из основоположников нового направления в живописи был знаменитый мастер Кано Эйтоку, живший во второй половине 16 века. Гравюра на дереве (ксилография), расцвет которой относится к 18...19 векам, стало ещё одним видом изобразительного искусства Средневековья. Гравюру, как и жанровую живопись, назвали укиё-э (картины повседневного мира). В создании гравюры помимо художника, который создавал рисунок и писал своё имя на готовом листе, участвовали резчик и печатник. Сначала гравюра была однотонной, её раскрашивал от руки сам художник или покупатель. Затем изобрели печать в два цвета, а в 1765 художник Судзуки Харунобу (1725...1770) впервые применил многоцветную печать. Для этого резчик накладывал на специально подготовленную доску продольного распила (из древесины груши, вишни или японского самшита) кальку с рисунком и вырезал необходимое количество печатных досок в зависимости от цветового решения гравюры. Иногда их было больше 30и. После этого печатник, подбирая нужные оттенки, на особой бумаге делал оттиски. Его мастерство состояло в том, чтобы добиться точного совпадения контуров каждого цвета, получаемых с разных деревянных досок. Все гравюры подразделялись на две группы: театральные, на которых изображали актёров японского классического театра Кабуки в различных ролях, и бытописательные, посвященные изображению красавиц и сцен из их жизни. Самым знаменитым мастером театральной гравюры был Тосюсяй Сяраку, который крупным планом изображал лица актёров, подчёркивая особенности исполнявшейся ими роли, характерные черты человека, перевоплотившегося в персонаж пьесы: гнев, страх, жестокость, коварство.

В бытописательной гравюре прославились такие выдающиеся художники как Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро. Утамаро был создателем женских образов, воплощавших национальный идеал красоты. Его героини как будто застыли на мгновение и сейчас продолжат своё плавное грациозное движение. Но эта пауза -- наиболее выразительный момент, когда наклон головы, жест руки, силуэт фигуры передают чувства, которым они живут.

Самым известным мастером гравюры был гениальный художник Кацусика Хокусай (1776...1849). Творчество Хокусая основывается на многовековой живописной культуре Японии. Хокусай исполнил более 30 000 рисунков и проиллюстрировал около 500 книг. Будучи уже семидесятилетним стариком, Хокусай создал одно из самых значительных произведений -- серию “36 видов Фудзи”, позволяющую поставить его в один ряд с самыми выдающимися художниками мирового искусства. Показывая гору Фудзи -- национальный символ Японии -- из разных мест, Хокусай впервые раскрывает образ родины и образ народа в их единстве. Художник увидел жизнь как единый процесс во всём многообразии её проявлений, начиная от простых чувств человека, его повседневной деятельности и заканчивая окружающей природой с её стихиями и красотой. Творчество Хокусая, вобравшее в себя многовековой опыт искусства своего народа, --последняя вершина в художественной культуре средневековой Японии, её замечательный итог.

Здравствуйте, дорогие читатели – искатели знаний и истины!

Сегодня мы предлагаем вам прикоснуться к прекрасному и поговорить про искусство Древней Японии. В статье ниже мы кратко рассмотрим этапы истории, повлиявшие на становление японского искусства, а затем более подробно остановимся на каждой из его составляющих. Вы узнаете об особенностях не только традиционных видов, например, архитектуры, живописи, но и об искусстве боев, миниатюр, театра, парков и многом другом.

Итак, статья обещает быть интересной, а главное – познавательной!

Исторические периоды

Страна Восходящего солнца обладает уникальной культурой, воплотившейся в традиционных самобытных зданиях и храмах, картинах, изваяниях, украшениях, садах, литературных произведениях. В последние века набирают популярность такие нетривиальные направления, как ксилография, поэзия, оригами, бонсай, икебана и даже манга и аниме. Все они складывались долгое время, уходя корнями в глубокую древность.

Об этом времени было известно очень мало вплоть до начала прошлого столетия, ведь Япония была довольно закрытой для остального мира страной. Однако с тех пор проводились многочисленные исследования, археологические раскопки находки которых поражают. Они показывают, что уже во втором тысячелетии до нашей эры существовало культурное японское общество, а первобытные племена жили на островах еще 15-12 тысяч лет назад.

Японская культура начала складываться примерно в 4-м тысячелетии до нашей эры, но пика развития достигла в Средние века – в период с VI по XVIII век.

Древнеяпонская история начинается с доисторических времен и завершается этапом Хэйан в VIII-IX веке, хотя многие исследователи относят сюда и более поздние периоды. В связи с этим выделяется три крупных этапа, которые, в свою очередь, делятся на более мелкие периоды, или дзидай . Каждый из них характеризуется появлением новых изделий, сооружений, стилей.

1. Первобытно-общинный строй

Первобытное общество в Японии существовало в эпоху неолита, когда у людей появились первые каменные орудия, а также в период Дземон и Яей. Считается, что Дземон продолжался с 10-го тысячелетия до IV века до нашей эры. Тогда стали появляться первые изделия из керамики, имевшие такое же название, как и вся эпоха – дземон.

Глиняный сосуд эпох дзёмон

Эти сосуды были асимметричной формы и имели традиционные орнаменты в виде скрученной веревки. Есть мнение, что они использовались в различных ритуалах и обрядах. Тогда же появились разного рода украшения — сережки, браслеты и ожерелья из глины, зубов животных, ракушек, каменных пород, хрусталя.

Серьги и браслеты из глины периода дзёмон

В III столетии до нашей эры наступила эпоха Яёй, продлившаяся шесть веков. Тогда местные жители научились выращивать рисовые культуры, занялись сельским хозяйством, продолжили осваивать мастерство керамики, а также стали плавить металлы, среди которых самым главным было железо, делали оружие из меди и колокола из бронзы.

Бронзовый колокол дотаку, конец эпохи Яёй

• Становление государства.Японская государственность стала складываться с IV по VIII столетия. Это время известно под названием периодов Кофун и Ямато. Тогда в стране появилась целая сеть курганов-захоронений, а сама Япония стала сближаться с Поднебесной, неизбежно переняв религию – , а с ним – архитектуру, скульптуру.Важнейшее сооружение эпохи – Хорю-дзи, представленное пагодой в пять ярусов. У курганов стали устанавливаться особые изваяния из глины, именуемые «ханива».

Хорю-дзи, Япония

• Установление законов.Данный этап приходится на периоды Нара (VIII век) и Хэйан (конец VIII-XII века). В тот момент японцы становятся еще ближе своим соседям – китайцам и корейцам, заимствуют наряду с буддистской концепцией также конфуцианскую и даосскую, перенимают техники обработки металла, методики строительства и проектирования зданий, новые веяния в живописи.Особенно меняется архитектура – на смену простым синтоистским святилищам приходят многоярусные буддийские ступы наподобие индийских. В жилищах обычных людей вместо голой земли на полу появились планки из дерева, а сверху – крыши из кипариса.

Изображение периода Нара в Японии

Если говорить о более позднем времени, то можно выделить еще несколько периодов и их главные культурные особенности:

• Каракум (XII-XIV столетие) – появление самураев и боевых искусств;
• Сенгоку и Дзидай (XV-XVI вв.) – время европейской экспансии в мир Востока, в ходе которой даже в Страну Восходящего солнца проникло христианство и западные веяния в области культуры;
• Эдо (XVII-XIX вв.) – власть известного семейства Токугава, характеризующаяся изоляцией Японии и развитием культурной самобытности.

Все, что было позже – это уже Новое время и современность, и сейчас, несомненно, даже в относительно закрытой Японии происходит некая культурная глобализация – перенимается опыт западных мастеров, а на Западе, в свою очередь, становятся модными японские мотивы. Однако искусство Японии всегда обладало особым колоритом, имело черты, присущие только ей.

Простота, соразмерность с человеком, лаконичность, натуральные материалы, единение с природой – вот как можно охарактеризовать японские шедевры, как древние, так и современные.

Живопись

Япония, как известно, долгое время стояла особняком, ее границы были закрыты для других стран. Когда с наступлением VII столетия японцы стали все чаще общаться с соседями, налаживать связи с континентальным миром, они открыли для себя краски, пергамент, тушь, а с ними – изобразительное искусство.

Поначалу оно отличалось чрезвычайной простотой и лаконичностью: на черной или белой бумаге делались незамысловатые изображения, обычно одного из трех цветов — желтого, зеленого или красного. Однако постепенно мастерство местных живописцев все росло, и во многом благодаря распространению учения Будды, так как создавались все новые картины из жизни Учителя и его учеников.

Картинки с буддийской тематикой в древней Японии

К IX веку Япония уже сформировала собственную ветвь живописи, которая не зависела от китайской. В то же время роль буддизма стала ослабевать, и на смену религиозным мотивам пришли так называемые секулярные, то есть светские, которые пользовались особой популярностью в правление семейства Токугава.

Сегуны династии Токугава

Кайга, как называли японцы живопись, обрела совершенно разные формы и стили, и важное место в ней заняла природа. С тех пор живопись проявлялась все в новых формах:

• Ямато-э – главная школа живописцев. Она возникла в IX-X столетиях и поддерживалась академией художеств при императоре. Произведения представляли собой свернутые свитки, где изображались литературные сюжеты вкупе с искусной каллиграфией. Существовало два основных вида свитков: эмакимоно – многометровые, сложенные горизонтально и часто рассматриваемые на столе, а также какимоно – сложенные вертикально и вешаемые на стену. Обычно в стиле ямато-э ярко расписывали шелк или бумагу, но позже все чаще в качестве холста стали применять посуду из керамики, национальную одежду, вееры, стены, ширмы. Особое внимание уделялось тому, чтобы передать состояние души.
• Суми-э – как самостоятельный стиль cформировался приблизительно в XIV веке. Его особенности – применение акварели и черно-белых цветов.
• Портреты – стали популярны в XIII-XIV столетиях.
• Пейзаж – достиг популярности в XIV-XV веках, во многом благодаря распространившемуся по стране дзен-буддизму, в основе которого лежит идея созерцания и единения с природой.
• Укие-э – характерная яркая роспись на дощечках. Она появилась в XVII столетии и содержала изображения природы, знаменитых японских гейш или артистов театр Кабуки. Веком позже это направление стало настолько популярным, что завоевало даже сердца европейцев – они стали применять этот стиль в собственных работах.

Традиционная гравюра Укие-э

Архитектурное направление

Изначально японская архитектура сводилась к постройке древних традиционных домов – ханива. Они создавались до IV столетия, и об их внешнем виде можно судить только по сохранившимся миниатюрным моделям из глины и рисункам, так как до наших дней они не сохранились.

Здесь проходила жизнь и быт обычных людей. Это были своеобразные землянки, накрытые сверху соломенным навесом. Его поддерживали специальные каркасы из дерева.

Позже появились такаюка – аналог зернохранилищ. Они тоже состояли из специальных опор-балок, что позволяло спасти урожай от стихийных бедствий и вредителей.

Приблизительно в то же время, в I-III столетия, стали появляться храмы древней религии синто в честь божеств, покровительствующих силам природы. Они чаще всего возводились из необработанного и неокрашенного кипариса, имели лаконичную прямоугольную форму.

Соломенная или сосновая крыша была двухскатной, а сами сооружения строились на столбах, окруженных павильонами. Еще одна характерная черта синтоистских святилищ – П-образные ворота перед входом.

В синто существует закон обновления: через каждые двадцать лет храм уничтожался, а на том же месте возводился практически в точности такой же, но новый.

Самый известный подобный храм называется Исэ. Впервые он был построен еще в начале 1-го тысячелетия и, согласно традиции, постоянно перестраивался. Исэ состоит из двух похожих комплексов, расположенных чуть поодаль друг от друга: первый посвящен силам солнца, второй – божеству плодородия.

С VI столетия в Стране Восходящего солнца начинает распространяться буддийское учение, пришедшее из Китая и Кореи, а с ним – принципы строительства буддистских храмов. Поначалу они представляли китайские копии, но позже в храмовой архитектуре стал прослеживаться особый, истинно японский стиль.

Сооружения строились несимметрично, как бы сливаясь с природой. Лаконичность и четкость форм, деревянный каркас вкупе с каменным фундаментом, пагоды в несколько ярусов, не слишком яркие цвета – вот что отличает святилища того времени.

Многие из них сохранились до наших дней. Памятниками архитектуры можно назвать Хорю-дзи начала VII века с его знаменитым Золотым храмом и еще 40 зданиями, Тодай-дзи середины VIII века в городе Нара, который и сейчас считается крупнейшим сооружением из дерева на планете. При этом буддистская архитектура тесно переплетается со скульптурой и живописью, где запечатлены божества и мотивы из жизни Учителя.

Храм Тодай-дзи

На рубеже XII-XIII столетий в государстве начался феодализм и потому стал популярным стиль синдэн, отличающийся парадностью. Ему на смену пришел стиль сеин, во главе которого стоит простота и некоторая интимность: вместо стен – почти невесомые ширмы, на полу – циновки и татами.

Тогда же начали появляться дворцы-храмы местных феодалов. Шедевры этого вида сооружений – известный Кинкаку-дзи XIV века, или Золотой павильона, а также Гинкаку-дзи XV столетия, он же – Серебряный храм.

Храм Гинкаку-дзи (Золотой павильон)

Вместе с дворцами-храмами в XIV-XV веках стало зарождаться садово-парковое искусство. Во многом его появление обязано проникновению в Японию созерцательного учения дзен. Вокруг храмов и крупных жилищ стали появляться сады, где главными составляющими были не только растения, цветы, но и камни, вода, а также песчаные и галечные насыпи, символизирующие водную стихию.

По всему миру известен уникальный в городе Киото.

Еще один вид садов – чайный, который называется «тянива». Он окружает чайный домик, где проводится особая, неторопливая церемония, а к домику через весь сад проходит специальная тропинка. Появившись еще в Средние века, тянива повсеместно встречается и сейчас.

Скульптурное направление

Скульптура в Древней Японии по большей части связана с религиозными и обрядовыми традициями. Еще в III-V веках люди научились изготавливать небольшие фигурки под названием догу.

Догу изображали людей, животных, и, учитывая, что найдены были они в курганах, можно сделать вывод, что их клали в могилу вместе с усопшими – это были их слуги, которые могли пригодиться на том свете. Догу были глиняные, бронзовые, деревянные, лаковые фигуры. Позже у курганов и синтоистских святилищ создавались также более крупные изваяния божеств.

Фигурка догу

Приход в страну буддизма, естественно, сказался и на местной скульптуре. В VI-VII веках стали появляться многочисленные памятники Будде. Вслед за китайскими и корейскими мастерами начали свой путь местные скульпторы.

К IX веку скульптурное направление стало еще больше развиваться, но изменился внешний вид будд и – они стали обладать несколькими, вплоть до тысячи, лицами и руками. Чаще всего они изготавливались из крепких древесных пород, лака, бронзы, глины.

До наших дней сохранились многие прекрасные памятники. К примеру, в храме Харю-дзи на цветке лотоса восседает величественная фигура Будды, а в Тодай-дзи существует целый ансамбль божеств во главе с 16-метровым Буддой, который создали скульпторы Кайкэй и Ункэй.

Другие виды

Японское искусство многогранно, и о нем можно говорить часами. Расскажем еще о нескольких видах искусства, зародившихся в древности.

• Каллиграфия

Ее называют седо, что значит «дорога извещений». Каллиграфия в Японии появилась благодаря красивым иероглифам, которые были заимствованы у китайцев. Во многих современных школах она считается обязательным предметом.

• Хайку, или хокку

Хайку – особая японская лирическая поэзия, появившаяся в XIV столетии. Поэта при этом именуют «хайдзин».

• Оригами

Это название переводится как «бумага, которую сложили». Пришедшее из Поднебесной, оригами поначалу использовалось в обрядах и было занятием для знати, но в последнее время распространилось по всему миру.

Древнее искусство оригами в Японии

• Икебана

Слово в переводе означает «живые цветы». Подобно оригами, изначально использовалась в ритуалах.

• Миниатюры

Два самых распространенных вида миниатюр – бонсай и нэцкэ. Бонсай – это копии настоящих деревьев в сильно уменьшенном виде. Нэцке – небольшие фигурки наподобие брелоков-талисманов, появившиеся в XVIII-XIX веках.

• Боевые искусства

Они в первую очередь ассоциируются с самураями – своего рода рыцарством, ниндзя – убийцами-наемниками, бусидо – воинами.

• Театральное искусство

Самый известный театр, гордость всех японцев – классический театр Кабуки. Подробно про театральное искусство в Японии вы можете почитать .

Театр Кабуки в Японии

Заключение

Как мы видим из статьи, Япония – целая сокровищница шедевров искусства не только национального, но и мирового масштаба. С древних времен, которые начинаются еще задолго до нашей эры, японцы начали творить и созидать вокруг прекрасное: картины, здания, изваяния, стихи, парки, миниатюры – и это далеко не весь список.

Интересно, что черты, заложенные в японской культуре древности, прослеживаются и в творениях современности – это простота, лаконичность, естественность, стремление к гармонии с природой.

Большое спасибо за внимание, дорогие читатели! Надеемся, сегодня вы узнали многое о такой таинственной и далекой стране, как Япония. Присоединяйтесь к нам — оставляйте комментарии, делитесь ссылками на статьи с друзьями – мы будем очень рады исследовать таинственный мир востока вместе с вами!

До скорых встреч!