Музыкальная культура XVII-XVIII веков.

⁰

Слово опера в переводе с итальянского означает «труд», «сочинение». Первоначально музыкальный спектакль называли «dramma per musica» - «драма на музыке» или «музыкальная драма», к чему добавляли - опера , то есть труд такого-то композитора.

Первые оперы появились в Италии , во Флоренции на рубеже XVI - XVII столетий. Их авторы были участниками небольшого кружка любителей искусства, собиравшихся у богатых меценатов Джованни Барди и Якопо Корси . Кружок этот вошел в историю музыки под названием флорентийской камераты (итальянское camerata - кружок).

Члены камераты были большими поклонниками античного искусства и мечтали возродить древнегреческую трагедию. По сохранившимся описаниям они знали, что во время представления трагедий Эсхила, Софокла, Еврипида актеры не проговаривали, а пропевали текст, и что там участвовал поющий и танцующий хор. Однако какова была музыка в , они не имели ни малейшего представления, поскольку никакого документального материала у них не было (немногие сохранившиеся записи еще не были расшифрованы). Тем не менее, из высказываний античных философов и поэтов они сделали вывод, что манера исполнения античных актеров представляла собой нечто среднее между пением и обычной речью, и попробовали создать мелодию такого же типа. Результатом их экспериментов было создание речитатива - речевой мелодики. Это была вокальная мелодия полунапевного, полудекламационного характера, предназначенная для сольного исполнения с инструментальным сопровождением. Сами члены кружка так характеризовали созданный ими тип мелодики:

«такой тип пения, где можно было бы словно говорить» (Дж. Каччини)

«пение на полпути между обычным говором и чистой мелодией» (Я. Пери).

Первая опера, созданная во Флоренции, не сохранилась. Две другие появились почти одновременно и были написаны на один и тот же сюжет известного мифа об Орфее. Обе оперы назывались одинаково - «Эвридика» . Музыку одной из них написал Якопо Пери, а другой - Джулио Каччини. Автор текста - поэт Оттавио Ринуччини.

Для первых флорентийских опер было характерно:

господство речитатива,
отсутствие арий и ансамблей,
статичность действия.

Новый жанр развивался очень бурно и стремительно. Опыт флорентийцев перенимался в других итальянских городах, и уже очень скоро в истории оперы появились первые классические произведения. Их автором стал Клаудио Монтеверди .

Монтеверди (1567-1643) - итальянский композитор, имя которого стоит рядом с именами величайших художников и поэтов эпохи Возрождения. Если его и нельзя назвать «изобретателем» оперы и гомофонно--гармонического стиля, то именно он создал гениальные образцы и нового жанра, и нового стиля.

Благодаря Монтеверди опера превратилась в произведение прежде всего музыкальное: теперь музыка стала занимать не подчиненное, как это было раньше, а главное место. В отличие от однообразного речитатива Пери и Каччини, Монтеверди создал остро напряженный, драматический речитатив - с внезапными сменами темпа и ритма, выразительными паузами. При этом Монтеверди не ограничился речитативом: в кульминациях своих опер он включал арии, где мелодия носила уже не декламационный, а певучий характер. Большое значение приобрел хор и оркестр, который подчеркивал значительность того или иного момента драмы. Все это позволило Монтеверди ярко раскрывать внутренний мир своих героев.

Первые оперы Монтеверди - «Орфей» и «Ариадна» (от которой сохранился только один-единственный фрагмент - «Плач Ариадны», получивший всемирную известность) - появились в Мантуе. В дальнейшем же Монтеверди переехал в Венецию, где протекал последний период его творчества (30 лет). Здесь он выступил во главе новой оперной школы, создав такие произведения, как «Возвращение Улисса» и «Коронация Поппеи» . Подобно «Орфею» они относятся к жанру «dramma per musica», который стал исторически первым типом оперы.

«Коронация Поппеи» , созданная за год до смерти Монтеверди, это вершина всего его творчества. Сюжет оперы заимствован из «Анналов» (т.е. летописей) Тацита - крупнейшего историка Древнего Рима. Впервые за полвека существования оперного жанра на смену мифологии пришла историческая хроника, а богов и мифических героев вытеснили исторические личности. В оперной культуре XVII века еще не было произведения, которое, подобно шекспировским хроникам, воспроизводило бы реальные исторические события; вот почему «Поппею» называют «первой оперой на исторический сюжет».

Жестокий и сумасбродный император Нерон решил низложить свою супругу Оттавию, чтобы возвести на престол любовницу - красавицу Поппею. Воспитатель Нерона, философ Сенека пытается отговорить императора от расторжения брака, поскольку народ Рима сочувствует императрице. Разъяренный этим сопротивлением, Нерон приговаривает философа к смерти.

Оттавия не собирается сдавать свои позиции без борьбы. Она приказывает Оттону, мужу Поппеи, умертвить соперницу. Любящий Поппею Оттон пытается уклониться от этого шага, но Оттавия шантажом заставляет его подчиниться. Переодевшись в платье Друзиллы - юной девушки, влюбленной в него, Оттон проникает в покои Поппеи, чтобы заколоть ее кинжалом. Однако в последний момент заговор раскрывается, и все его участники отправляются в изгнание. Нерон перед римскими консулами и трибунами коронует Поппею.

Слушательская аудитория первых опер ограничивалась очень узким кругом: это придворная знать, просвещенные любители и знатоки искусства. Но постепенно оперный жанр стал демократизироваться , то есть обращаться к более широкому кругу слушателей.

Процесс демократизации оперы начался в 20-е годы XVII века в Риме , где кардинал Барберини построил первый специально оперный театр. Католическая церковь вообще покровительствовала новому жанру, преследуя религиозно-пропагандистские цели. Излюбленные сюжеты римских опер - жития святых и нравоучительные повести о раскаявшихся грешниках. Однако местами в эту сюжетику неожиданно вставлялись бытовые комические сценки для привлечения рядового слушателя. Именно это стало наиболее ценным в римской опере, поскольку таким путем в оперу проникали реалистические картины народной жизни, повседневные ситуации, простые герои и народная музыка. Среди римских композиторов выделяются Стефано Ланди и Лоретто Виттори , которому принадлежит одна из лучших опер этой школы «Галатея» .

В совершенно других условиях развивалась опера в Венеции . Руководство ею здесь попало в руки предприимчивых коммерсантов. За короткое время в городе появилось несколько общедоступных городских театров (первый - Сан-Кассиано ), конкурирующих между собой.

Венецианские театры были не только очагами культуры, но и коммерческими предприятиями, главная цель которых - делать сборы. В связи с этим опера стала зависеть от вкусов широкой публики, которая отличалась от просвещенных знатоков Флоренции или аристократических посетителей дворцовых театров как «небо и земля». Здесь никто не думал о возрождении античной трагедии. Опера должна была увлекать, не утомлять излишней серьезностью, быть жизненной и понятной простым венецианцам. С этой целью стали впервые печатать в специальных маленьких книжечках краткое содержание опер (такие книжечки назывались либретто - в переводе «книжечка»). Оперные сюжеты насытились захватывающими приключениями (внезапными нападениями, землетрясениями, дуэлями, погонями). Они по-прежнему опирались на античные мифы или же на исторические события, однако и то, и другое толковалось очень свободно и зачастую осовременивалось. Например, в опере Монтеверди «Возвращение Улисса» легендарный Одиссей, отправляясь в плавание, подвергался таможенному досмотру, как все венецианские купцы. В венецианскую оперу гораздо шире, чем в римскую, вводились комедийные эпизоды из жизни простонародья (слуг, ремесленников, торговцев), а вместе с ними - и интонации итальянских народных песен. Таким образом, в венецианской опере усилилась связь с народным искусством .

Среди композиторов венецианской оперной школы следует выделить последователей Монтеверди Франческо Ковалли и Марка Антонио Чести (среди опер этого композитора наиболее шумный успех выпал на долю «Золотого яблока», где использовался эпизод о Парисе и Елене из истории Троянской войны).

Позднее других - к концу XVII века - сложилась оперная школа в Неаполе, подытожившая историю столетнего развития итальянской оперы. Интересно, что неаполитанская опера оказалась особенно далекой от того идеала, к которому стремилась флорентийская камерата. Она сразу заявила о себе как произведение, в котором ведущей силой является не поэзия, а музыка, пение. Именно в Неаполе утвердился тот вид оперного пения, который получил название bel canto (прекрасное пение). Под ним понимается умение плавно, красиво исполнять певучую мелодию широкого дыхания (кантилену), причем сохранять эту плавность постоянно. Стиль бельканто требует от певца высшего мастерства: виртуозного владения дыханием, ровного звучания голоса во всех регистрах, блестящей техники. Пение это вызывало заслуженные восторги у слушателей.

Стиль bel canto способствовал расцвету арии , получившей явный перевес над речитативом. Неаполитанцы ввели в практику типовые арии, которые долгое время господствовали на оперной сцене. Сложилось несколько контрастных типов арий, связанных с наиболее часто встречающимися сценическими ситуациями: lamento (по-итальянски - плач, жалоба) - скорбные арии, арии патетические (страстные), бытовые, лирические, бравурные (шумные, бодрые), буффонные, арии мести.

Каждый тип опирался на свои выразительные приемы. Так, например, для lamento характерна опора на интонацию нисходящей секунды, передающую стон, рыдание. Первый классический образец этого типа арии - плач Ариадны Монтеверди. Именно образы скорби, печали, воплощенные в ариях lamento, были у неаполитанцев наиболее глубокими и сильными.

Причина широкой популярности типовых арий заключалась в том, что оперные герои XVII века еще не имели индивидуального облика и характера. Свои чувства они выражали обобщенным языком, связанным не с характером, а с определенной ситуацией, в которую они попадали. Никого не смущало, что жестокий деспот, злодей, влюбившись, изливал свои чувства в возвышенной, одухотворенной мелодии божественной красоты, и наоборот, застенчивая, робкая девушка, почувствовав ревность, начинала выводить неистовые рулады. Другими словами, выражение одинаковых чувств (любви, скорби, ненависти и пр.) было сходным у совершенно разных героев. По форме арии XVII века представляли собой тип da capo, состоящий из трех частей. Третья часть, реприза, как правило, украшалась певцами всевозможными руладами.

Неаполитанцы усовершенствовали и речитатив , разделив его на два вида - аккомпанированный (accompagnato) и сухой (secco). В речитатив secco попадал весь информационный материал, который требовалось донести до слушателя. Если ария неизменно вызывала остановку действия, то сухой речитатив, напротив, его совершенно не задерживал, он быстро следовал за текстом. В мелодическом отношении он напоминал скорее разговорную речь, чем пение: исполнялся скороговоркой в очень свободной манере (с выделением отдельных слов, сменами темпа, выразительными паузами) - певец вел себя как драматический актер. Вот почему речитатив-secco не мог сопровождаться оркестром, Лишь отдельные аккорды клавесина помогали певцу держаться в тональности.

Аккомпанированный речитатив отличался большей напевностью и подобно арии звучал в сопровождении оркестра. Он часто использовался как вступление к арии. Нередко в таком речитативе передавались сложные душевные состояния, борьба различных чувств.

Таким образом, композиторы неаполитанской оперной школы четко определили и разграничили назначение основных оперных форм - арии и речитатива: ария концентрировалась на выражении какого-то определенного чувства, выражая отношение действующих лиц к происходящему, речитатив же развивал действие в диалоге или повествовании о каком-либо событии.

В рамках неаполитанской школы, прежде всего в творчестве Аллесандро Скарлатти , сложился новый оперный жанр - опера-seria (итальянское seria - серьезная). Типовыми особенностями этого оперного жанра были:

мифологический или историко-легендарный сюжет с запутанной, нередко малоправдоподобной интригой и обязательной счастливой концовкой;
знатное происхождение героев (это короли, полководцы, античные боги);
ария, как центральная оперная форма, «перевешивающая» всё остальное. Речитатив же постепенно всё более терял свое значение;
господство пения и отступление драмы (того, что происходит на сцене) на задний план, то есть безразличное отношение к содержанию.

Со временем в опере-seria утвердился настоящий культ певца-виртуоза, который мог диктовать композитору свои условия (один певец требовал, чтобы в любой арии обязательно были виртуозные пассажи, особенно хорошо ему удававшиеся, другой непременно хотел исполнить скорбную арию lamento, и пр.) В итоге опера-seria получила обидное прозвище - концерт в костюмах, поскольку цепь арий, воплощающих сильные чувства, часто была лишена логической связи друг с другом (всё, что относилось к собственно драме, быстро «проговаривалось», не вызывая интереса у публики).

Роль оперы-seria в развития оперного жанра чрезвычайно велика: именно с ее появления начался подлинный расцвет оперного жанра, как произведения прежде всего музыкального. В то же время это было явление противоречивое, в котором всё больше усиливались кризисные черты.

В противовес опере-seria в 30-х годах следующего, XVIII века, в Неаполе возникла опера-buffa - комическая, причем родилась она внутри серьезной оперы из так называемых интермедий - тех забавных комедийных сценок, которые вставлялись в оперу-seria для развлечения публики. Начало этому жанру положила «Служанка-госпожа» Перголези. В ней - всего три роли, причем одна - мимическая (Веспоне, слуга Уберто, не поет). Сюжет очень прост: ловкая молоденькая служанка Серпина хитростью женит на себе своего господина, старого холостяка Уберто. Успех этой веселой интермедии был настолько сенсационным, что она совершенно затмила серьезную оперу, в рамках которой исполнялась, в результате ее стали давать отдельно, как самостоятельное произведение.

	опера- seria	опера- buffa
сюжет	историко-легендарный или мифологический, сзапутанной, часто малоправдоподобной интригой и обязательной счастливой концовкой.	повседневный, незамысловатый, комедийный, преимущественно из городского быта. Интрига простая, но занимательная.
герои	короли, полководцы, античные боги и другие персонажи древних мифов.	современники, «простые» люди - солдаты, крестьяне, слуги, монахи, купцы, их жены и дочери.
драматическое действие	на втором плане	играет важную роль
ария	является опорой спектакля, центральной оперной формой, явно «перевешивая» всё остальное. Служит для демонстрации вокальной виртуозности. Излюбленная форма - 3-х частная da capo .	находится в равновесии с остальными оперными формами, лишена виртуозных украшений, своей простотой близка народной песне.
речитатив	малозначительный.	часто более выразителен, чем ария. Имеет широкое применение.
ансамбли	постепенно почти исчезают.	занимают ведущее место.
сценическое оформление	очень пышное, эффектное.	скромное.

Мастерами buffa были Галуппи , Пиччини , Паизиелло , Чимароза .

Из Италии опера очень быстро распространилась в других европейских странах, став уже к середине XVII века одним из самых популярных жанров. Различные итальянские оперные труппы с успехом гастролировали в Австрии, Германии, Англии, Франции, вызывая интерес к оперному искусству и пробуждая инициативу отечественных композиторов, которые пробуют силы в новом жанре. Однако увлечение итальянской оперой порой оборачивалось и отрицательной стороной: там, где короли и придворные круги преклонялись только перед итальянским искусством, оно тормозило развитие своих национальных оперных школ.

С неимоверным трудом пробивала себе дорогу немецкая опера . Она вызывала полнейшее равнодушие со стороны правящих кругов, которые признавали только искусство иностранцев, в первую очередь - итальянцев. Германию буквально заводнили приезжие артисты - певцы, дирижеры, композиторы.

Первая немецкая опера «Дафна» появилась в 1627 году. Ее автором был Генрих Шютц , один из самых выдающихся немецких композиторов. Кроме «Дафны» предпринимались и другие попытки создания национальных немецких опер, однако этот процесс прерывается тридцатилетней войной. Лишь с 60-х годов XVII века начинается новый этап становления оперного искусства в Германии. В крупных немецких городах - Дрездене, Гамбурге, Лейпциге - открываются оперные театры, в которых, однако, прочно обосновываются итальянские оперные труппы, ставящие итальянские оперы. Единственное исключение - Гамбург , где оперному театру некоторое время удается сопротивляться итальянскому господству. Только там ставятся оперные спектакли на родном немецком языке.

Расцвет гамбургской оперы связан с именем высокоталантливого немецкого композитора Рейнгарда Кайзера , произведения которого пользовались небывалым успехом. В своих операх Кайзер обращался к самым разным сюжетам: мифологическим, историческим, комическим. Среди его лучших опер - «Октавия» , «Нерон», «Лейпцигская ярмарка» . Влияние Кайзера испытали многие немецкие композиторы, вплоть до Баха и Генделя.

Однако постепенно и в Гамбургской опере назревает и усиливается кризис. Его яростно травит церковь, публика охладевает к ней, театр не делает сборов, сцену его заполоняют итальянцы, и в конце концов (к началу 40-х годов) оперный театр в Гамбурге перестал существовать. Главная причина этого печального итога заключалась в том, что в отсталой Германии для национального оперного театра попросту не было общественно-культурных условий. Немецким композиторам не оставалось ничего другого, как подобно Генделю искать признания на чужбине, сочиняя там оперы в итальянском стиле, или же применять свой талант вне оперной музыки.

Особая судьба постигла оперу в Англии . Англичане обычно не торопились перенимать европейские новшества. Музыкальный спектакль, полностью построенный на пении, долгое время не вызывал у них симпатий. Они предпочитали смешанные формы - драматические спектакли, где было много музыки, но основной упор делался на слово, актерскую игру. Была популярна и semi-опера (полуопера), основанная на сочетании музыки и разговорных диалогов.

Первая английская национальная опера - «Дидона и Эней» - принадлежит Генри Пёрселлу . Деятельность этого великого композитора протекала в основном в области театральной музыки: он оформлял спектакли на сюжеты Шекспира и современных ему английских драматургов. «Дидона и Эней» - единственная опера Пёрселла в общепринятом смысле этого слова. Написана она была не для профессиональной сцены, а для школьного праздника в пансионе благородных девиц. Силами учениц и была исполнена в камерной, почти домашней обстановке. Отсюда очень скромные масштабы оперы - она продолжается чуть больше часа.

Сюжет «Дидоны» заимствован из «Энеиды» Вергилия :

Эней, спасающийся бегством из разрушенной Трои, попадает в Карфаген, где правит вдовствующая царица Дидона. Вспыхивает взаимная страстная любовь, но злые силы (в образе ведьм, типичном для английского фольклора) мешают счастью героев. Эней вынужден покинуть Карфаген и Дидона умирает от горя.

Кульминация всей оперы - предсмертный монолог героини , выдержанный в жанре lamento. Его музыку отличает редкая мелодическая красота и, вместе с тем, гениальная простота. На всем протяжении арии повторяется остинатный бас, усиливая ощущение роковой неотвратимости. По мере нарастания скорби мелодия утрачивает песенность и переходит в декламацию.

Подобно другим операм XVII века «Дидона» строится на чередовании отдельных номеров - сольных, ансамблевых, хоровых (такая структура называется номерной). Вместе с тем, в ней налицо стремление объединить номера в сцены. Например, в финале последнего, III-го действия речитатив Дидоны, не завершаясь, переходит в арию , которая без перерыва вливается в оркестровую постлюдию , а постлюдия - в заключительный хор. Подобное сквозное развитие будет характерно для опер более позднего времени.

Появление «Дидоны» ознаменовало рождение национальной английской оперы. Однако при жизни Пёрселла она ни разу не была исполнена на профессиональной сцене, а после смерти композитора для нее наступил период прочного и, казалось, вечного забвения. Лишь в конце XIX века опера прозвучала вновь, вызвав целый переворот в английской музыкальной культуре. В XVII-м же веке у Пёрселла не нашлось ни одного последователя, и говоря словами Ромена Роллана, он оказался «основоположником не состоявшейся английской оперной школы». Со смертью Пёрселла на 2,5 столетия оборвалась и жизнь английской оперы.

Единственной страной, которая в XVII веке сумела оградить себя от влияния итальянского оперного театра, была Франция . Здесь сложилась своя, очень самобытная национальная оперная традиция и любой композитор-иностранец, желавший покорить Париж, был обязан не только писать исключительно на французский текст, но и следовать ряду установленных во Франции обычаев.

Первую попытку создания французской оперы предприняли поэт Пьер Перрен и композитор Робер Камбер . По их предложению в Париже был открыт публичный оперный театр Grand Opera. Однако подлинным творцом французской оперы считается Жан Батист Люлли , создавший эталон французского музыкального стиля.

Жан Батист Люлли

Итальянец по происхождению (в детстве его звали Джованни Баттиста Лулли), Люлли еще в детстве, благодаря счастливому случаю, попал во Францию, где находился в услужении у сестры французского короля. Благодаря редким музыкальным способностям он стремительно сделал блестящую карьеру, став придворным композитором, пользующимся неограниченным доверием Людовика XIV.

Талант Люлли отличался редкой разносторонностью: он был превосходным скрипачом, организовавшим свой собственный оркестр («16 скрипок короля»), дирижером, композитором, танцором, балетмейстером, режиссером, руководителем придворного музыкального театра, для которого написал 20 музыкально-драматических произведений. Будучи современником великих французских драматургов - Корнеля, Расина, Мольера - Люлли активно сотрудничал с ними, особенно много - с Мольером, написав музыку к таким его пьесам, как «Брак поневоле», «Сицилиец», «Мещанин во дворянстве» и др.

Композитор называл свои оперные сочиненияи «лирическими трагедиями» (буквально: трагедия под лиру, то есть поющаяся, музыкальная ). Их первым слушателем и почитателем был сам Людовик XIV, для которого они стали любимейшим зрелищем.

Среди опер Люлли наиболее известны «Ариадна» , «Атис» , «Армида» , «Ацис и Галатея» , «Тезей» . Все они написаны на текст прекрасного поэта Филиппа Кино , который был бессменным либреттистом композитора.

Опера Люлли - это стройный по форме монументальный спектакль из 5 актов с обязательным прологом (итальянская серьезная опера была трехактной). Несмотря на общие с итальянской оперой-seria сюжеты (в основном мифологические), французская опера во многом отличается от нее:

Ее основу составляет декламационный речитатив , родственный возвышенной, патетически приподнятой речи и гораздо менее гибкий и мелодичный, чем в итальянской опере. Свои речитативы Люлли сочинял, подражая размеренной патетической декламации лучших французских драматических актеров.
Ария, игравшая в итальянской опере господствующую роль, заняла у Люлли более скромное место, служа небольшим завершением речитативного монолога. В музыке своих арий композитор зачастую использовал интонации бытовых французских песен.
Комедийные сценки, столь популярные в Италии, во французскую лирическую трагедию не допускались. Развлекательная сторона заключалась в обилии балетных номеров (любовь к балету является национальной французской чертой). 5-й акт вообще представлял собой цепь танцев, в которых по традиции принимал участие сам король и королевская знать.
Огромное значение во французской опере имели разнообразные по характеру хоровые эпизоды.
Постановками лирических трагедий, предназначенных для королевского придворного театра, зачастую отличались чрезмерной роскошью и пышностью.
На французской сцене практически не появлялись певцы-кастраты, столь популярные в Италии. Кроме того, здесь никогда не было диктата певцов.

В операх Люлли утвердился тип французской увертюры. Обычно она состояла из 2-х частей: медленно-величавого марша и быстрого, энергичного фугато (итальянская же увертюра XVIII века чаще всего строилась на контрасте 3-х частей по принципу быстро-медленно-быстро).

По стилю оперы Люлли тесно связаны с национальными традициями французской культуры, в первую очередь - с французским драматическим театром. Вместе с тем, многое в них противоречит правилам классицистской трагедии. Так, например, в либретто Кино среди действующих лиц почти всегда присутствуют боги и фантастические существа, встречаются ситуации, совершенно невозможные в драмах Корнеля и Расина; почти никогда не соблюдается классический принцип единства времени, места и действия. Всё это роднит французскую оперу XVII века с театром барокко.

19. Становление классической музыки. Великие композиторы 17-18 века

Монтеверди. Д.Фрескобальди`. А.Корелли. А.Вивальди. А.Скарлатти.Д.Б.Перголези. Династии скрипичных мастеров.

МУЗЫКА ИТАЛИИ

Ж.Б.Люлли. Ж.Ф.Рамо. Ф.Куперен.

МУЗЫКА ФРАНЦИИ

Г.Перселл.

МУЗЫКА АНГЛИИ

Г.Шютц. Д.Букстехуде. Г.Ф.Гендель. И.С.Бах.

МУЗЫКА ГЕРМАНИИ

М.С.Березовский. Д.С.Бортнянский. Е.И.Фомин.

МУЗЫКА РОССИИ

На рубеже XVI-XVII столетий полифония, господствовавшая в музыке эпохи Возрождения, начала уступать место гомофонии (от греч. "хомос" - "один", "одинаковый" и "фоне" - "звук", "голос"). В отличие от полифонии, где все голоса равноправны, в гомофонном многоголосии выделяется один, исполняющий главную тему, а остальные играют роль аккомпанемента (сопровождения). Аккомпанемент представляет собой, как правило, систему аккордов (гармоний). Отсюда и название нового способа сочинения музыки - гомофонно-гармонический.

Появились произведения, написанные на религиозные тексты или сюжеты, но не предназначенные для обязательного исполнения в церкви. (Такие сочинения называют духовными, так как слово "духовный" имеет более широкое значение, чем "церковный".) Основные духовные жанры XVII- XVIII вв. - кантата и оратория. Возросло значение светской музыки: она звучала при дворе, в салонах аристократов, в общедоступных театрах (первые такие театры были открыты в XVII в.). Сложился новый вид музыкального искусства - опера.

Инструментальная музыка также отмечена появлением новых жанров, и в первую очередь инструментального концерта. Скрипка, клавесин, орган постепенно превратились в сольные инструменты. Музыка, написанная для них, давала возможность проявить талант не только композитору, но и исполнителю. Ценилась прежде всего виртуозность (умение справляться с техническими трудностями), которая постепенно стала для многих музыкантов самоцелью и художественной ценностью.

Композиторы XVII-XVIII столетий обычно не только сочиняли музыку, но и виртуозно играли на инструментах, занимались педагогической деятельностью. Благополучие художника в значительной степени зависело от конкретного заказчика. Как правило, каждый серьёзный музыкант стремился получить место либо при дворе монарха или богатого аристократа (у многих представителей знати были собственные оркестры или оперные театры), либо в храме. Причём большинство композиторов легко сочетали церковное музицирование со службой у светского покровителя.

21. Художественные направления 18 века и их характерные особенности

Художественное направление - принципиальная общность художественных явлений на протяжении длительного времени.

Барокко - направление в европейской архитектуре и искусстве конца 16-18 веков, для которого характерны:

Грандиозность, пышность и динамика;

Патетическая приподнятость;

Интенсивность чувств;

Пристрастие к эффектными зрелищам;

Совмещению иллюзорного и реального;

Сильные контрасты масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.

Классицизм - художественное направление в европейском искусстве 17-19 веков. Художники классицизма:

Признавали высшим образцом античное искусство;

Опирались на традиции Высокого Возрождения;

Стремились к выражению идеи гармонического устройства общества, основанного на вечных "законах разума"

22. «Просветительский» абсолютизм в России. Культурные реформы Петра 1 и Екатерины 2

Отечественная история – одна из главных национальных святынь любой страны – превратилась в России в предмет ожесточенных споров и конфликтов, нередко связанных с противоположными оценками прошлых событий, как давнишних, так и последнего двадцатилетия. Когда в напряженной атмосфере взаимной раздраженности оппонентов (чтобы не сказать – глубокого взаимного отчуждения, вплоть до презрения и ненависти) прибегаешь к терминам болезни, диагноза, синдрома, этиологии, то рискуешь получить обвинения в кощунстве, причем со всех сторон. Учет социального расслоения. При Екатерине II права дворян относительно поместий и крестьян расширялись, но тем самым усугублялись за-крепощение и тяготы крестьянства. Единый параметр “свободы” не в состоянии уловить эту “тонкость”. Арифметическое складывание значений показателей по разным социальным слоям может только затемнить картину (подобно пресловутой “средней по больнице температуре пациентов”).

23. Романтизм как художественное направление

Романтизм (Romanticism), идейное и художественное направление, возникшее в европейской и американской культуре конца 18 века - первой половины 19 века, как реакция на эстетику классицизма. Первоначально сложился (1790-е гг.) в философии и поэзии в Германии, а позднее (1820-е гг.) распространился в Англии, Франции и других странах. Он предопределил последнее развитие искусства, даже те его направления, которые выступали против него.

Новыми критериями в искусстве стали свобода самовыражения, повышенное внимание к индивидуальным, неповторимым чертам человека, естественность, искренность и раскованность, пришедшие на смену подражанию классическим образцам 18 века. Романтики отвергали рационализм и практицизм Просвещения как механистичный, безличностный и искусственный. Вместо этого они во главу угла ставили эмоциональность выражения, вдохновение. Чувствуя себя свободными от приходящей в упадок системы аристократического правления, они стремились высказать свои новые взгляды, открытые ими истины. Изменилось их место в обществе. Они нашли своего читателя среди растущего среднего класса, готового эмоционально поддержать и даже преклоняться перед художником - гением и пророком. Сдержанность и смирение были отвергнуты. Им на смену пришли сильные эмоции, часто доходящие до крайностей. Некоторые романтики обратились к таинственному, загадочному, даже ужасному, народным поверьям, сказкам. Романтизм был частично связан с демократическими, национальными и революционными движениями, хотя "классическая" культура Французской революции на самом деле замедлили приход Романтизма во Францию.

... »16. В основе этих теорий лежит идея, что художественный мир, созданный одним народом, непонятен другому, что он недоступен в силу психологических и исторически преград. История развития музыкальной культуры Хакасии полностью доказывает несостоятельность этих взглядов. Не изобретая сугубо национальных жанров хакасской оперы, хакасского балета или симфонии, но, будучи обогащенной известным опытом...

Примерно 10% российских научных работ являются конкурентоспособными на мировом рынке научной продукции. 4. Художественная и духовная жизнь страны в 80-90-е годы За годы перестройки произошли принципиальные изменения во взаимоотношениях художественной культуры с властью и обществом. С одной стороны, литература и искусство избавились от идеологического диктата, с другой – художественные...

Перераспределение властных полномочий между федеральным центром и субъектами Федерации, социально-экономические изменения последнего десятилетия. В результате этих процессов повысилась роль региональных (субъектов Федерации) и муниципальных бюджетов в жизнеобеспечении деятельности учреждений культуры и искусства. За последнее десятилетие доля финансовых поступлений из региональных бюджетов на...

Подтверждали бы не только развитие культуры и искусства в древности и античности, но и конкретно указывали бы на развитие физической культуры в период от 15000 лет до н.э. до VI века н.э. 1. Отражение развития физической культуры в искусстве древних в период от 15000 лет до н.э. до VI века н.э. 1.1 Археологические находки, подтверждающие развитие физической культуры до V тысячелетия до...

Композиторы-классики известны всему миру. Каждое имя музыкального гения - неповторимая индивидуальность в истории культуры.

Что такое классическая музыка

Классическая музыка - чарующие мелодии, созданные талантливыми авторами, которых справедливо называют композиторами-классиками. Их произведения уникальны и всегда будут востребованы исполнителями и слушателями. Классической, с одной стороны, принято называть строгую, глубокосодержательную музыку, не относящуюся к направлениям: рок, джаз, народная, эстрадная, шансон и т. п. С другой стороны, в историческом развитии музыки есть период конца XIII - начала XX века, называемый классицизмом.

Классические темы отличаются возвышенной интонацией, изысканностью, разнообразием оттенков и гармонией. Они положительно влияют на эмоциональное мировосприятие взрослых и детей.

Этапы развития классической музыки. Их краткая характеристика и основные представители

В истории развития классической музыки можно выделить этапы:

Ренессанс или эпоха Возрождения - начало 14 - последняя четверть 16 века. В Испании и Англии период Возрождения длился до начала 17 века.
Барокко - пришел на смену Ренессанса и длился до начала 18 века. Центром стиля была Испания.
Классицизм - период развития европейской культуры с начала 18 и до начала 19 столетия.
Романтизм - направление, противоположное классицизму. Длилось до середины 19 века.
Классика 20 столетия - современная эпоха.

Краткая характеристика и основные представители культурных периодов

1. Ренессанс - длительный период развития всех направлений культуры. - Томасс Таллис, Джованни да Палестина, Т. Л. де Виктория сочинили и оставили бессмертные творения потомкам.

2. Барокко - в эту эпоху появляются новые музыкальные формы: полифонии, оперы. Именно в этот период создавали свои знаменитые творения Бах, Гендель, Вивальди. Фуги Баха выстроены в соответствии с требованиями классицизма: обязательное соблюдение канонов.

3. Классицизм. создавшие свои бессмертные творения в эпоху классицизма: Гайдн, Моцарт, Бетховен. Появляется сонатная форма, увеличивается состав оркестра. и Гайдна отличаются от тяжеловесных сочинений Баха несложным построением и изяществом мелодий. Это всё ещё была классика, устремление к совершенству. Бетховенские сочинения - это грань соприкосновения романтического и классического стилей. В музыке Л. ван Бетховена чувственности и пылкости больше, чем рациональной каноники. Выделились такие важные жанры, как симфония, соната, сюита, опера. Бетховен дал начало Романтическому периоду.

4. Романтизм. Музыкальным произведениям свойственна колоритность, драматизм. Формируются различные песенные жанры, к примеру, баллады. Получили признание сочинения для фортепиано Листа и Шопена. Традиции романтизма унаследовали Чайковский, Вагнер, Шуберт.

5. Классика XX столетия - характеризуется стремлением авторов к новаторству в мелодях, возникли термины: алеаторика, атонализм. Произведения Стравинского, Рахманинова, Гласса относят к классическому формату.

Русские композиторы-классики

Чайковский П.И. - русский композитор, музыкальный критик, общественный деятель, педагог, дирижёр. Его сочинения самые исполняемые. Они искренние, легко воспринимаемые, отражают поэтическую самобытность русской души, живописные картины русской природы. Композитором создано 6 балетов, 10 опер, больше сотни романсов, 6 симфоний. Известные всему миру балет «Лебединое озеро», опера «Евгений Онегин», «Детский альбом».

Рахманинов С.В. - произведения выдающегося композитора эмоциональны и жизнерадостны, а некоторые - драматичны по содержанию. Их жанры разнообразны: от небольших пьес до концертов и опер. Общепризнанные сочинения автора: оперы «Скупой рыцарь», «Алеко» по пушкинской поэме «Цыганы», «Франческа да Римини» по сюжету, заимствованному из «Божественной комедии» Данте, поэма «Колокола»; сюита «Симфонические танцы»; фортепианные концерты; вокализ для голоса под аккомпанемент фортепиано.

Бородин А.П. был композитором, педагогом, химиком, врачом. Самое значимое творение - опера «Князь Игорь» по историческому произведению «Слово о полку Игореве», которая писалась автором почти 18 лет. При жизни Бородин не успел её закончить, уже после его кончины оперу дописали А.Глазунов и Н.Римский-Корсаков. Великий композитор является родоначальником классических квартетов и симфоний в России. Венцом мирового и русского национально-героического симфонизма считается «Богатырская» симфония. Выдающимися признаны инструментальные камерные, Первый и Второй квартеты. Один из первых ввёл в романсы богатырские фигуры из древнерусской литературы.

Великие музыканты

Мусоргский М.П., о котором можно сказать - это великий композитор-реалист, смелый новатор, затрагивающий остросоциальные проблемы, великолепный пианист и прекрасный вокалист. Самыми значимыми музыкальными произведениями являются оперы «Борис Годунов» по драматическому произведению А.С. Пушкина и «Хованщина» - народно-музыкальная драма, главный действующий персонаж этих опер - восставший народ из разных общественных прослоек; творческий цикл «Картинки с выставки», навеянный работами Гартмана.

Глинка М.И. - известный русский композитор, основоположник классического направления в русской музыкальной культуре. Он завершил процедуру создания школы русских композиторов, базируясь на ценности народной и профессиональной музыки. Произведения мастера пронизаны любовью к Отечеству, отражают мировоззренческую направленность людей той исторической эпохи. Всемирно известные народная драма «Иван Сусанин» и опера-сказка «Руслан и Людмила» стали новыми течениями в русской опере. Симфонические произведения «Камаринская» и «Испанская увертюра» Глинки - основы русского симфонизма.

Римский-Корсаков Н.А.- талантливый русский композитор, морской офицер, педагог, публицист. В его творчестве прослеживаются два течения: историческое («Царская невеста», «Псковитянка») и сказочное («Садко», «Снегурочка», сюита «Шехерезада»). Отличительная особенность произведений композитора: самобытность с опорой на классические ценности, гомофония в гармоническом построении ранних сочинений. Его сочинения имеют авторский почерк: своеобразные оркестровые решения с необычно построенными вокальными партитурами, являющимися основными.

Русские композиторы-классики старались отобразить в своих произведениях свойственное нации познавательное мышление и народный фольклор.

Европейская культура

Известные композиторы-классикиМоцарт, Гайдн, Бетховен проживали в столице музыкальной культуры того времени - Вене. Гениев объединяет мастерское исполнительство, превосходные композиционные решения, использование разных музыкальных стилей: от народных напевов до полифонических разработок музыкальных тем. Для великих классиков свойственны всеобъемлющая творческая мыслительная деятельность, компетентность, чёткость в построении музыкальных форм. В их произведениях органично связаны воедино интеллект и эмоции, трагическая и комическая составляющие, непринуждённость и расчётливость.

Бетховен и Гайдн тяготели к инструментальным композициям, Моцарту мастерски удавались как оперные, так и оркестровые сочинения. Бетховен был непревзойдённым создателем героических произведений, Гайдн ценил и успешно использовал в творчестве юмор, народно-жанровые типажи, Моцарт был композитором-универсалом.

Моцарт - создатель сонатной инструментальной формы. Бетховен усовершенствовал её, довёл до непревзойдённых высот. Период венской классики стал периодом квартетного расцвета. Гайдн, вслед за ним Бетховен и Моцарт, вносят значимый вклад в развитие этого жанра.

Итальянские мастера

Джузеппе Верди - выдающийся музыкант 19 века, развивал традиционную итальянскую оперу. Обладал безупречным мастерством. Кульминацией его композиторской деятельности стали оперные произведения "Трубадур", "Травиата", "Отелло", "Аида".

Никколо Паганини - родился в Ницце, одна из наиболее музыкально одаренных личностей 18-19 века. Виртуозно владел скрипкой. Сочинял каприсы, сонаты, квартеты для скрипки, гитары, альта и виолончели. Писал концерты для скрипки с оркестром.

Джоаккино Россини - творил в 19 столетии. Автор духовной и камерной музыки, сочинил 39 опер. Выдающиеся произведения - "Севильский цирюльник", "Отелло", "Золушка", "Сорока-воровка", "Семирамида".

Антонио Вивальди - один из крупнейших представителей скрипичного искусства 18 века. Известность приобрел благодаря своим Наиболее известная работа - 4 скрипичных концерта "Времена года". Прожил удивительно плодотворную творческую жизнь, сочинил 90 опер.

Знаменитые итальянские композиторы-классики оставили вечное музыкальное наследение. Их кантаты, сонаты, серенады, симфонии, оперы будут доставлять удовольствие не одному поколению.

Особенности восприятия музыки ребенком

Прослушивание хорошей музыки положительно влияет на психоэмоциональное развитие ребенка, так считают детские психологи. Хорошая музыка приобщает к искусству и формирует эстетический вкус, так считают педагоги.

Многие известные творения создавали композиторы-классики детям, учитывая их психологию, восприятие и специфику возраста, т. е. для слушания, а другие сочиняли для крох-исполнителей различные пьесы, легко воспринимаемые на слух и технически им доступные.

«Детский альбом» Чайковского П.И. для маленьких пианистов. Это альбом-посвящение племяннику который любил музыку и был очень одарённым ребёнком. В сборнике более 20 пьес, некоторые из них созданы на основе фольклорного материала: неаполитанские мотивы, русская плясовая, тирольские и французские мелодии. Сборник «Детские песни» Чайковского П.И. рассчитан на слуховое восприятие детской аудиторией. Песни оптимистического настроя о весне, птицах, цветущем саде («Мой садик»), о сострадании к Христу и Боге («Был у Христа младенца сад»).

Детская классика

Для детей трудились многие композиторы-классики, список произведений которых очень разнообразен.

Прокофьев С.С. «Петя и Волк» - симфоническая сказка для детей. Благодаря этой сказке, дети знакомятся с музыкальными инструментами симфонического оркестра. Текст сказки написал сам Прокофьев.

Шуман Р. «Детские сцены» - это небольшие нотные рассказы с незатейливым сюжетом, написанные для взрослых исполнителей, воспоминания о детстве.

Цикл для фортепиано Дебюсси «Детский уголок».

Равель М. «Матушка гусыня» на основе сказок Ш. Перро.

Барток Б. «Первые шаги за фортепиано».

Циклы для детей Гаврилова С. «Для самых маленьких»; «Герои сказок»; «Ребятам о зверятах».

Шостакович Д. «Альбом фортепианных пьес для детей».

Бах И.С. «Нотная тетрадь Анны Магдалены Бах». Обучая своих детей музыке, создавал для них особые пьесы и упражнения для развития технических навыков.

Гайдн Й. - прародитель классической симфонии. Создал специальную симфонию под названием «Детская». Используемые инструменты: соловей глиняный, трещотка, кукушка - придают ей необычное звучание, детское и задорное.

Сен-Санс К. придумал фантазию для оркестра и 2-х фортепиано под названием «Карнавал животных», в которой музыкальными средствами виртуозно передал кудахтанье кур, рык льва, благодушие слона и его манеру передвижения, трогательно-изящного лебедя.

Сочиняя композиции для малышей и юношества, великие композиторы-классикипозаботились об интересных сюжетных линиях произведения, доступности предлагаемого материала с учётом возраста исполнителя или слушателя.

Какой была бы наша жизнь без музыки? В течение многих лет люди задавали себе этот вопрос и приходили к выводу, что без красивых звуков музыки мир был бы совсем другим. Музыка помогает нам полнее ощущать радость, находить свое внутреннее «я» и справляться с трудностями. Композиторы, работая над своими произведениями, вдохновлялись самыми разными вещами: любовью, природой, войной, счастьем, печалью и многим другим. Некоторые из созданных ими музыкальных композиций, навсегда останутся в сердцах и памяти людей. Перед вами список из десяти самых великих и талантливых композиторов за все время. Под каждым из композиторов вы найдете ссылку на одно из наиболее известных его произведений.

10 ФОТО (ВИДЕО)

Франц Петер Шуберт – австрийский композитор, который прожил всего 32 года, но его музыка будет жить еще очень долго. Шуберт написал девять симфоний, около 600 вокальных композиций, а также большое количество камерной и сольной фортепианной музыки.

«Вечерняя серенада»

Немецкий композитор и пианист, автор двух серенад, четырех симфоний, а также концертов для скрипки, фортепиано и виолончели. Выступал на концертах с десяти лет, впервые выступил с сольным концертом в 14 лет. При жизни обрел популярность в первую очередь благодаря написанным им вальсам и венгерским танцам.

«Венгерский танец №5».

Георг Фридрих Гендель – немецкий и английский композитор эпохи барокко, он написал около 40 опер, множество органных концертов, а также камерной музыки. Музыка Генделя звучала на коронации английских королей, начиная с 973 года, звучит она и на церемонии королевских свадеб и даже используется в качестве гимна лиги чемпионов УЕФА (с небольшой аранжировкой).

«Музыка на воде».

Йозеф Гайдн — известный и плодовитый австрийский композитор эпохи классицизма, его называют отцом симфонии, поскольку он внес значительный вклад в развитие этого музыкального жанра. Йозеф Гайдн является автором 104 симфоний, 50 сонат для фортепиано, 24 опер и 36 концертов

«Симфония №45».

Петр Ильич Чайковский – известнейший русский композитор, автор более 80 произведений, в числе которых 10 опер, 3 балета и 7 симфоний. Был весьма популярен и известен, как композитор еще при жизни, выступал в России и за рубежом в качестве дирижера.

«Вальс цветов» из балета «Щелкунчик».

Фредерик Франсуа Шопен – польский композитор, который также считается одним из лучших пианистов всех времен. Он написал много музыкальных произведений для фортепиано, включая 3 сонаты и 17 вальсов.

«Вальс дождя».

Венецианский композитор и скрипач-виртуоз Антонио Лучо Вивальди является автором более 500 концертов и 90 опер. Оказал огромное влияние на развитие итальянского и мирового скрипичного искусства.

«Эльфийская песнь».

Вольфганг Амадей Моцарт – австрийский композитор, поразивший мир своим талантом с раннего детства. Уже в пять лет Моцарт сочинял небольшие пьесы. В общей сложности он написал 626 произведений, среди них 50 симфоний и 55 концертов. 9.Бетховен 10.Бах

Иоганн Себастьян Бах – немецкий композитор и органист эпохи барокко, известен как мастер полифонии. Является автором более 1000 произведений, в которые входят практически все значимые жанры того времени.

«Музыкальная шутка».

В конце 17-18 вв. начинают появляться новые музыкальные каноны, которым будут следовать композиторы и музыканты на протяжении долгого времени. Этот век подарил миру музыки, которые внесли неоценимый вклад во всемирное культурное наследие. Композиторы 18 века знамениты такими личностями, как:

Это один из величайших немецких композиторов, интерес к личности и творчеству которого со временем не угасает, а, наоборот, все возрастает. Но, к сожалению, при жизни он не получил признания. У Иоганна не было другого выбора поприща, кроме как музыкального, потому что его предки славились своей музыкальностью.

Родился будущий гений в 1685 г. в городке Эйзенахе. Своим первым шагам в музыке он обязан отцу, который обучил его игре на скрипке. У Баха был прекрасный голос, и он пел в хоре городской школы. Окружающие не сомневались в том, что мальчик станет прекрасным музыкантом.

Рано став сиротой, в возрасте 15 лет, Иоганн начал самостоятельную жизнь. Несмотря на то, что юный композитор жил в стесненных обстоятельствах и частых переездах, интерес к музыке никогда не ослабевал у Баха, он постоянно расширял свои познания в области музыки путем самообразования.

В отличие от своих коллег-композиторов, которые во всем старались подражать иностранным музыкантам, Бах активно использовал в своих произведениях народные немецкие песни и танцы. Но Иоганн был не только талантливым композитором, но и прекрасным исполнителем на органе и клавесине. Если его не знали, как композитора, то все признавали его мастерство игры на этих инструментах.

Но придворному обществу не нравилась музыка композитора: ее считали слишком яркой, эмоциональной, человечной. Но несмотря на непризнание публикой его произведений, он никогда не подстраивался под их вкусы. Свои самые лучшие музыкальные произведения Бах написал в Лейпциге, куда переехал со своей семьей и оставался до конца жизни. Там он создал большую часть кантат, "Страсти по Иоанну", "Страсти по Матфею", Мессу си минор.

Самой большой радостью, поддержкой и опорой композитора была его семья. Сыновья тоже стали одаренными музыкантами и еще при жизни Баха приобрели известность. Его вторая жена и старшая дочь имели очень красивый голос. Поэтому Иоганн продолжал писать музыкальные произведения для своей семьи.

В последние годы жизни у Баха начались серьезные проблемы со зрением, и после неудачной операции он стал слепым. Но несмотря на это, не оставил свое творчество и продолжал создавать композиции, диктуя их для записи. Его смерть осталась практически незамеченной в музыкальном обществе, и о нем скоро забыли. Интерес к его музыке появился лишь через 100 лет, когда под руководством Мендельсона было исполнено одно из прекраснейших его творений - "Страсти по Матфею", и тогда же был выпущен сборник его музыкальных композиций.

Этот гений музыки не был по достоинству оценен современниками, которые не могли осознать всю силу и глубину его таланта, недолюбливали его за сильный и независимый характер, но спустя века его творчеством интересуются и восхищаются талантом. Родился Вольфганг 27 января 1756 г. Отец его был придворным музыкантом и, рано заметив в сестре Моцарта музыкальные способности, стал обучать ее музыке.

Это и положило начало творчеству Вольфганга. У мальчика в раннем возрасте обнаружились исключительные способности к музыке: будучи в возрасте 5-6 лет, он уже создал свои первые музыкальные произведения, обладая при этом уникальным музыкальным слухом и поразительной памятью. Отец, видя, что его сын обладает редкими музыкальными талантами, решает начать концертное турне, чтобы Вольфганг приобрел известность и не стал придворным музыкантом.

Но несмотря на то, что мальчиком все восхищались и в 12 лет его произведения становились известными, общество не могло полностью оценить весь потенциал юного музыканта. Поэтому, вернувшись из турне, Вольфганг стал придворным музыкантом и очень страдал от того положения, в котором он оказался. Но не желая мириться с тем, что его не уважают и обращаются неподобающим образом, он уехал из Зальцбурга в Вену.

Именно во время своего пребывания в Вене, его талант достигает расцвета. Вскоре он женился на прекрасной девушке по имени Констанца Вебер, и даже неодобрение родителей не смогли помешать их счастью. Годы, проведенные им в Вене, нельзя назвать легкими, скорее, наоборот. Испытывая нужду, Моцарту приходилось очень много работать, что сказалось на его здоровье. Несмотря на то, что его оперы "Свадьба Фигаро", "Дон Жуан" пользуются успехом, общество по-прежнему не в силах понять весь гений Вольфганга.

Незадолго до смерти Моцарт пишет свое величайшее произведение - оперу "Волшебная флейта". Одновременно с ней он создает "Реквием", но не успевает его завершить. В ночь с 4 на 5 декабря 1791 г. гениальный композитор скончался. Обстоятельства его смерти до сих пор остаются неизвестными, что порождает множество споров среди специалистов. Лишь после его кончины музыкальное общество и весь мир признали гений Моцарта, а его произведения до сих пор считаются шедеврами в музыке.

Его "Времена года" на протяжении уже нескольких столетий стоят в одном ряду с другими гениальными произведениями. Скрипач-виртуоз, получивший признание при жизни, много путешествовавший, прекрасный педагог - все это о знаменитом итальянском композиторе Антонио Вивальди.

Антонио родился 4 марта 1678 г. и стал единственным ребенком в семье, выбравшим музыкальное поприще. Его музыкальный талант проявился очень рано, и его первым учителем стал Джованни Батиста, снискавший к тому времени славу виртуоза. Изучение его манеры исполнения дает возможность предположить, что мальчик брал уроки у других знаменитых музыкантов.

Юный Антонио решает избрать карьеру священника и 18 декабря 1693 г. получает низшее церковное звание. Позднее он получил еще три "низших" и два "высших" церковных звания, необходимых для получение сана священника. Но несмотря на духовную карьеру, Вивальди продолжал весьма успешно заниматься музыкой.

И его усиленные занятия принесли результат: Антонио был назначен педагогом в одну из самых лучших "консерваторий" Венеции. Его обширная и разносторонняя музыкальная деятельность сделала "консерваторию" одной из самых выделяющихся в городе. В начале своего творчества композитор уделяет большое внимание инструментальному направлению, что можно объяснить тем, что северная часть Италии и Венеция считались центром лучших инструменталистов.

Антонио Вивальди приобрел славу за пределами Италии, его произведения пользовались успехом, а обучаться у него считали за высокую честь. В Мантуе композитор знакомится с Анной Жиро и ее сестрой Паолиной. Вскоре обе девушки стали постоянными обитательницами дома Вивальди, что вызвало недовольство церковного руководства, которому и так не нравилось, что Антонио находится в частых разъездах.

16 ноября 1737 г. от имени кардинала композитору был запрещен въезд в Феррару, что в те времена считалось позором. Это означало, что теперь вся духовная карьера Вивальди была разрушена и наносила довольно ощутимый материальный ущерб. Все сильнее ухудшались его отношения с руководством "консерватории". И дело было не только в его частых разъездах - музыка Вивальди уже стала считаться старомодной.

В конце 1740 г. Антонио расстается с "консерваторией", которая была обязана ему многолетней славой. Собираясь в длительное путешествие и испытывая материальные затруднения, Вивальди устраивает распродажу своих концертов по низкой цене. Будучи в возрасте 62 лет, композитор решает покинуть Италию и найти счастье в других странах. Но, несмотря на то, что когда-то он был всеми принимаем, его произведениями восхищались, в конце жизни Антонио Вивальди был всеми забыт и покинут. Скончался знаменитый итальянский виртуоз 28 июля 1741 г. в Вене. Он является одним из самых ярких представителей композиторов того времени, а его инструментальные композиции занимают достойное место в мировом музыкальном наследии.

Композиторы 18 века оказали огромное влияние на будущее развитие музыки, хотя они не всегда получали признание при жизни и становились известными. Просто общество той эпохи не могло оценить всей силы их таланта, красоту и глубину их . Навязываемые им рамки были слишком тесными для их дарования, для них музыка была смыслом жизни. Но потомки смогли по достоинству оценить их творчество, и до сих пор на всех концертах продолжают исполнять их гениальные произведения.